Puede parecer que la fama musical es una garantía de estabilidad. Si ha lanzado un álbum que los críticos elogian y millones están escuchando, la pobreza está fuera de discusión.
Pero, desafortunadamente, el estado de una "estrella" como tal no es una fuente de ingresos. Los músicos, incluso los famosos, a veces enfrentan dificultades financieras a lo largo de sus carreras.
Digamos por qué después de la revolución digital, los músicos tuvieron más problemas, cómo cambió la industria de la música e hizo que los artistas buscaran nuevas fuentes de ingresos.
Foto de Jörg Schubert / CC BYFue: álbumes y ventas "físicas"
La principal forma musical de la segunda mitad del siglo XX fue el álbum, una grabación independiente de 30 a 45 minutos, creada para escuchar de principio a fin. El enfoque en la venta de álbumes ha jugado un papel importante en la configuración de la industria de la música.
Los álbumes fueron la principal forma de expresarse y crear su propia identidad, y otros eventos en la vida de los músicos giraron en torno a sus grabaciones. Los contratos con las etiquetas
hasta el día de hoy a menudo se celebran no por un período calendario, sino por un cierto número de álbumes.
Las ventas de discos fueron una fuente muy importante de ingresos para los músicos y sus sellos. En la época dorada de los álbumes (1960-1980), los ingresos por la venta de medios físicos excedieron los ingresos de las giras en
2-3 veces . Esto permitió a algunos artistas simplemente ignorar las actividades del concierto. Los Beatles pasaron la segunda mitad de su carrera sin aparecer en público (aparte de una actuación de despedida
en el techo ). Sí, y los músicos populares de menor calibre podrían ignorar otras fuentes de ingresos: Kate Bush solo realizó una gira en los primeros 36 años de su carrera.
Pero el valor de los discos de larga duración, y luego la música física en general, comenzó a disminuir. El primer golpe al orden establecido de las cosas fue tratado por los canales de televisión de música. MTV, con su enfoque en
singles exitosos , alentó el omnívoro musical superficial. Los singles, discos compactos con una canción en cada lado, existían en el oeste
desde el siglo XIX y eran 5-6 veces
más baratos que los álbumes. Tal precio obligó a las discográficas
a limitar el margen, dificultando que los músicos ganen mucho dinero.
Además, la fijación de los éxitos ha cambiado la actitud hacia la música. Los compradores de singles estaban menos interesados en el contexto en el que se concibió la canción (no escucharon todo el álbum). El "consumo individual" ha complicado la creación de una fuerte conexión emocional con el músico y su trabajo, sin dar la oportunidad de invertir en la visión artística del artista. Traducido al lenguaje comercial, tales compras rara vez generaban lealtad a la marca, lo que podría usarse para ganar más.
Ahora: streaming, singles y coleccionismo
Con el advenimiento de la banda ancha, la amenaza para la industria de la música ha sido la piratería masiva. Casi cualquier persona podría hacer una copia del disco comprado y compartir su contenido. La inseguridad de los archivos de audio se asustó por las compañías de música que pasaron por alto el mercado digital. En cambio, lucharon en vano por la distribución ilegal de su propiedad intelectual. Metallica
demandó a Napster, una compañía discográfica estadounidense
demandó al intercambiador P2P de Limewire, y los fabricantes de CD introdujeron medidas para
evitar la copia. Fue un robo en sus ojos.
Pero para los usuarios de Internet, los intercambiadores se han convertido en una revolución en la distribución de música. Napster, que tenía unos
80 millones de usuarios en la cima de su popularidad, no solo les permitió ahorrar dinero, sino que también fue más conveniente que ir a la tienda de música. Fue el prototipo de las plataformas de transmisión y dio acceso a un catálogo de música gigante en un par de clics. Después de la muerte de Napster, el lanzamiento de la primera gran tienda de canciones digitales: iTunes. Corrigió ligeramente la situación con la legalización de la distribución digital de música, pero no pudo "atraer el lado positivo" de la mayoría. Como resultado, durante la primera década del siglo XXI, los ingresos de las ventas de música
cayeron a la mitad.
Una alternativa digna a la piratería llegó más tarde. Los servicios de transmisión, cuya suscripción es más barata que comprar un CD, atraen a usuarios que no están acostumbrados a pagar por la música. Pero la rentabilidad para los músicos está fuera de discusión: un millón de audiencias en Spotify le dan al artista solo 5 mil dólares .
Pero vale la pena comenzar con una conversación sobre el hecho de que vale la pena caminar hasta un millón de personas. A menudo, la distribución de música en los servicios de transmisión requiere tarifas y costos regulares para atraer a una audiencia a escuchar (de ninguna manera todos los autores de las pistas recomiendan los algoritmos de las propias plataformas). Como resultado, esto resulta en pérdidas para equipos pequeños y autores independientes.
Los problemas de los músicos de distribución digital no terminan ahí. En este formato, nuevamente, ganan los singles y, como resultado, los géneros que se centran en los singles. Los álbumes son interesantes solo para un círculo limitado de personas: en plataformas con millones de canciones diferentes es difícil incluso que las estrellas reconocidas presten atención a su trabajo.
Foto OhllyOhlhoff / Wikimedia CC BYGracias a la revolución digital, los formatos físicos se han convertido, ante todo, en objetos de valor coleccionable. Para aumentar las ventas, los artistas producen hermosos estuches, diseñan de manera interesante portadas y folletos, o incluso experimentan con el medio físico en sí. Dichos lanzamientos atraen a una audiencia muy limitada, que consiste principalmente en fieles seguidores. Por lo tanto, los músicos modernos, a diferencia de los artistas de los años 60 y 70, no pueden vivir de la venta de álbumes solos en medios físicos.
Como resultado, con el fin de recuperar la grabación del álbum y ganar algo, los artistas tienen que lanzar un merchandising, participar en un programa de televisión y recorrer mucho más. Aunque viajar no es una garantía de buenos ingresos para muchos artistas.
De radio a sitios de internet
La radio era un reflejo de la industria de la música y una fuente importante, aunque no líder, de ingresos para músicos independientes. La tarifa por cada canción que se reproduce con una rotación suficientemente amplia podría pagar la grabación de la pista y garantizar ganancias estables.
En la época dorada de los álbumes, las listas de reproducción de las grandes estaciones de radio a menudo eran recogidas
por los propios DJ . Esto simplificó enormemente el proceso de subir al aire. Algunos presentadores (por ejemplo,
John Peel o
Seva Novgorodtsev de la BBC) podrían crear fenómenos musicales de forma independiente. Fue la aparición en el programa de Peel lo que llevó a la popularidad de artistas como Joy Division y PJ Harvey.
Las estaciones de radio independientes también jugaron un papel en la formación de estrellas musicales: a pesar de la ilegalidad, la radio pirata británica fue influyente, y el movimiento independiente estadounidense, representado por grupos como REM y Pixies, "nació" en las estaciones de radio de la universidad. El éxito en la radio era una garantía de ingresos y el camino para un público amplio, es decir, para un mayor volumen de ventas de álbumes.
En los años 90, comenzó el proceso de consolidación de la radio, tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos. Las grandes estaciones de radio y las corporaciones de medios gradualmente compraron competidores. El resultado fue obvio: los grupos focales y las listas de reproducción centralizadas reemplazaron a los curadores de DJ, y las estaciones de radio independientes cerraron una tras otra. En 2015, solo
tres canciones de las 100 principales emisoras
de radio británicas fueron lanzadas por sellos independientes, y se observan tendencias similares en otros países. Según un estudio finlandés, en los últimos diez años, las estaciones de radio populares han comenzado a repetir las mismas canciones con más frecuencia. Entrar en la radio sin tener ninguna conexión con los gigantes de los medios no es tarea fácil.
Un tipo de reemplazo para la radio se ha convertido en Internet. Literalmente, cualquier persona puede subir su canción a SoundCloud u otro servicio similar, pero esto no garantiza ganancias ni una amplia audiencia. Por un lado, gracias a la Web, muchas personas obtuvieron su voz en la industria de la música. Por otro lado, en este ruido es fácil perderse, pero es difícil ganar dinero con su trabajo.
Fotos Best Picko / CCDescubrimientos aleatorios, anteriormente posibles debido a DJs o colecciones de grupos poco conocidos en tiendas de música, están sucediendo cada vez menos. Los algoritmos de servicio de transmisión no pueden correr riesgos, como lo hicieron previamente los curadores expertos. Por supuesto, el músico puede tener suerte, y esta o aquella plataforma comenzará a ofrecer su música a miles de personas. En los últimos años, ha
habido al menos dos de esas situaciones.
"Allanar" una pista en una computadora portátil y grabar una sola en su propio departamento, crear una página grupal en las redes sociales y poner creatividad en SoundCloud, fue difícil imaginar eso en los años setenta. La revolución digital ha abierto muchas oportunidades para los aspirantes a músicos, pero no la oportunidad de ganar dinero en serio en su trabajo. Le informaremos acerca de los artistas "en vivo" que no tienen el estatus de superestrella
en los siguientes materiales .
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