Ayer,
comenzamos una conversación sobre cómo la percepción de la industria de la música y la crítica musical ha cambiado en los últimos 200 años.
Si a comienzos de los siglos 18 y 19, la crítica apenas comenzaba a surgir, y las obras musicales eran evaluadas principalmente por otros compositores, entonces la industrialización del siglo XX cambió drásticamente la situación en esta área.
Veamos qué llevó a tales cambios y como un papel principal en la configuración de la agenda musical, pasó de las élites culturales a las corporaciones.
Foto frankie cordoba / UnsplashRevolución Académica de la Música
A principios del siglo XX, aparecieron rivales en la tradición romántica que dio forma a la industria de la música en el sentido habitual. La armonía comenzó a "emerger de las costas tonales" trazada por los primeros románticos. Las organizaciones que regulan el gusto público reaccionaron fríamente a esto.
Incluso tales "inofensivas" para los estándares actuales funcionan como Enlightened Night (alemán: Verklärte Nacht) de Schoenberg fueron bloqueadas por consejos de arte.
Los compositores, impulsados por un anhelo por lo absoluto, querían liberarse de los grilletes de la tradición. Así nació la vanguardia, por voluntad de los compositores, pero no por los clientes de su música.
Schoenberg, Webern y Berg fundaron su propio club de compositores, que la prensa llamó la
Segunda (Nueva) Escuela de Viena , en oposición al antiguo orden. Gradualmente, la vanguardia fue más allá del marco del "movimiento de protesta" y ganó adeptos, principalmente entre músicos e intelectuales. Entonces encontró un lugar en el repertorio de muchos artistas del segundo concierto de piano de Prokofiev, cuyo estreno abucheó la audiencia de Petersburgo.
En comparación con el romanticismo del siglo XIX, la vanguardia fue un género más democrático, en parte debido a una ruptura con la tradición clásica, en parte debido a los cambios sociales en Europa. Obtener una profesión de compositor, apoyar y desarrollar impulsos creativos en ti mismo se ha vuelto más fácil que antes: el mismo Schoenberg creció en una familia judía común y ni siquiera se graduó de la escuela. Pero el umbral de entrada para los oyentes era solo más alto, y el trabajo del crítico tenía más demanda que nunca. No es fácil para una persona inexperta entender la música atonal.
Pop y show business
El siglo XIX fue una época dorada para los compositores de canciones. En Europa, el género
lieder floreció, en Rusia, los romances. Dicha música se distribuyó en forma de notas y estaba destinada a actuaciones en el hogar. Pero no todos podían tocar el piano o cantar, lo que limitaba la popularidad de este género. La grabación de sonido y la radio cambiaron la situación. Y a principios del siglo XX, ante el ruido de las guerras mundiales y las revoluciones de vanguardia, las canciones capturaron la cultura de masas.
La música académica, por el contrario, se hizo cada vez más nicho, menos accesible cada año. La influencia cultural de las élites que apoyaron la tradición académica también disminuyó gradualmente. Al mismo tiempo, la música pop estaba ganando una gran audiencia.
Y los críticos la tomaban cada vez más en serio.
La clave de esta transformación fue la tecnología. Un sonido congelado en el tiempo es algo aún más abstracto que una actuación en vivo. El oyente puede sumergirse en la eternidad de la melodía sin siquiera saber cómo se creó. Esta idea estaría muy en consonancia con los románticos.
Además, cuando se lanzó el primer disco de larga duración en 1948, apareció la última pieza faltante del mosaico. La música pop tiene su forma "seria", similar a los
ciclos vocales de los compositores románticos.
Tan pronto como los artistas comenzaron a experimentar con el formato del álbum y crear obras holísticas con un reclamo de alto arte, apareció la música pop que ahora sabemos. Pero la influencia de las élites no ha desaparecido, sino que simplemente ha cambiado de forma.
Los nuevos "guardianes de los estándares musicales" son empresas. El lugar de los mecenas de las artes, personas influyentes de la alta sociedad, tomó las etiquetas, las empresas influyentes.
Foto frankie cordoba / UnsplashEl papel de los editores de música ha crecido junto con su audiencia: han ganado el control de la industria de la música. Y el papel de los críticos se ha vuelto más comercial.
Su tarea principal era informar a un amplio círculo de personas sobre si un álbum en particular merece su atención (y dinero) o no. Periodistas, DJs, directores musicales se han convertido en los principales navegadores en el mundo internacional de la música. La aparición en la transmisión "correcta" podría dar un impulso a una carrera exitosa, las críticas entusiastas de los críticos fueron el camino hacia el reconocimiento.
Pero, como cualquier jerarquía similar, este sistema tenía sus inconvenientes.
Las voces de las minorías , o las que no están de acuerdo con el status quo de una u otra "estrella", fueron silenciadas sistemáticamente. A las personas se les ofreció escuchar no lo que quieren, sino lo que otros consideran digno de su atención.
Por otro lado, el desarrollo del instituto de crítica ayudó a no convertir la industria de la música en una competencia de popularidad. Gracias al trabajo de los críticos, la atención pública también se dirigió a cosas cuyo valor artístico excede su éxito comercial.
Ni un solo álbum de Frank Zappa recibió el estatus de platino. Sin embargo, dejó una marca cultural importante, sobre todo porque no pasó desapercibido entre los observadores de música.
Pero nada dura para siempre. Casi no quedó nada del estado anterior de los críticos: Internet proporcionaba acceso a la música sin intermediarios. Hablaremos sobre a qué ha llevado esto y qué procesos rigen la opinión pública sobre la música hoy en el próximo artículo.
Foto de Mohammad Metri / UnsplashNuestras habraseries: