En artículos anteriores, hablamos sobre el
papel cambiante de los críticos en el mundo de la música. Ahora hablemos de cómo el formato de paisaje perdió su significado anterior, y qué vino a reemplazarlo.
Foto Florencia Viadana / UnsplashCómo los álbumes conquistaron el mercado musical
En la primera mitad del siglo XX, la industria de la música era completamente diferente de lo que ahora estamos familiarizados. Parte de los cambios se asociaron con tecnologías populares en ese momento: el formato de música principal de esa época eran los discos de goma laca, que se reproducían a una velocidad de 78 revoluciones por minuto. Un disco estándar de 10 pulgadas contenía solo
tres minutos de música en cada lado; esto limitaba seriamente la longitud del material. Incluso la música de orquesta fue cortada deliberadamente para caber en un disco. Las primeras grabaciones de
Rersodies in the Blues Style de Gershwin duraron alrededor de 9 minutos, casi la mitad de la versión original del trabajo. No es sorprendente que los singles representaran la gran mayoría de los lanzamientos.
Los álbumes existían, pero había pocos. Se distribuyeron en cajas con varios registros. Incluso entonces, tenían algunas de las características que atribuimos a los álbumes modernos, por ejemplo, incluyen
canciones de un tema similar . Pero no podían llamarse piezas musicales únicas, eran más como compilaciones. Esto se puede culpar a la "división dura del trabajo" que era popular en ese momento entre los autores e intérpretes musicales.
Los álbumes a menudo consistían en canciones de diferentes compositores, escritas en diferentes momentos y ya publicadas por otras personas. No había nada vergonzoso en lanzar un "álbum de tapa".
A principios de los años 50, comenzó la revolución del vinilo. Los discos de un nuevo tipo, que contienen hasta 45 minutos de material musical, se hicieron rápidamente populares. Luego, los géneros del autor entraron en la corriente principal: el blues y la música popular. Una persona que escribe e interpreta su música tiene una gran parte del control creativo sobre sus discos. Esto permitió que los álbumes pasaran de colecciones de canciones dispares a obras musicales individuales.
Photo Fleur / UnsplashLa transformación es fácil de seguir con The Beatles como una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Sus primeros dos álbumes fueron compuestos casi a la mitad por canciones de otras personas. Posteriormente, prácticamente se deshicieron de las portadas, y al mismo tiempo su trabajo se volvió más holístico y conceptual. La culminación de esta tendencia fue el famoso "Sargento. Pepper's Lonely Hearts 'Club Band ”, con transiciones perfectas entre canciones y composiciones que recuerdan a las suites.
Para los años 70, los "álbumes recopilatorios" comenzaron a ser menos valorados que los trabajos conceptuales. Los álbumes en su estructura se parecían más a menudo a las composiciones sinfónicas clásicas, especialmente en el género de rock progresivo, que se formó en la unión del rock y la música académica.
Por ejemplo, el álbum "Thick As A Brick" de Jethro Tull consta de una sola canción, dividida en dos partes. Doble álbum "Works Vol. 1 »de Emerson, Lake And Palmer abre con un concierto de piano interpretado por un tecladista y la Orquesta Sinfónica de Londres. La tendencia a incorporar técnicas sinfónicas en el material no se limitó al progreso. Muchos de los populares álbumes de los 70 también se incluyen en esta tendencia, por ejemplo, la famosa "A Night At The Opera" de Queen o la ópera rock
Ziggy Stardust de David Z. Bowie.
A finales de los años 70, el proceso de academización de la música rock comenzó a declinar, pero la expectativa de que el álbum fuera más que la suma de sus componentes permaneció. Muchos álbumes pop de los 80 continuaron desarrollando esta dirección. Entre ellos están el Sign O 'The Times de Prince y Peter Gabriel's So.
Álbumes de la era Sunset
Sin embargo, ya en los años 80, comenzaron los procesos que llevaron a una caída en la popularidad de los álbumes.
El primero de ellos fue el
creciente enfoque en la comercialización de la música , impulsada por la televisión musical y su creciente popularidad entre los jóvenes. Ya
escribimos sobre cómo MTV se convirtió en el primer canal juvenil en la televisión por cable estadounidense. Y no fue un accidente: a principios de la década, aparecieron
estudios que describían la influencia de los adolescentes en la economía de mercado. Los ejecutivos del canal vieron un nicho desocupado, y potencialmente muy lucrativo, que se volvió aún más atractivo a medida que se
aflojaron las restricciones legislativas relacionadas con la publicidad para niños. El valor artístico de la música se ha desvanecido en el fondo en comparación con su componente de entretenimiento.
Como resultado, nació el género que llamamos pop adolescente. Se centró en los singles porque son más baratos que los álbumes, acompañados de videoclips y no requieren atención a largo plazo por parte de los niños. La influencia de los artistas pop adolescentes se utilizó para vender bebidas,
juguetes e incluso
electrodomésticos para adolescentes. La música artística que toca temas complejos (especialmente en el formato de álbum) no puede competir con los éxitos pop como motor de publicidad.
A finales de los años 80,
aparecieron otros géneros que eran poco compatibles con la tradición de la canción clásica: electrónica de baile y hip-hop. Las figuras centrales de la electrónica de baile fueron los DJ que pusieron discos en la pista de baile. Para facilitarle la vida a un DJ, debe haber "amortiguadores" en las composiciones electrónicas: una introducción larga y un final largo. Esto facilita encontrar el momento perfecto para cambiar de pista. Las composiciones de álbumes tradicionales son de naturaleza lacónica y no dan esta oportunidad. Por lo tanto, el formato principal de la electrónica de baile se ha convertido en un
single de 12 pulgadas .
En cuanto al hip-hop, en este género el formato mixtape comenzó a ganar popularidad: una recopilación casera de composiciones de varios productores, que se unen por la poesía del artista. Decenas de personas pueden trabajar en un álbum de hip-hop, sin contar los titulares de los derechos de autor de las muestras. Esto complica la creación de una obra holística. Los álbumes conceptuales no pasaron por alto el hip-hop, pero no se convirtieron en generadores de género.
El golpe final al formato del álbum fue tratado por la
muerte de los medios físicos . También escribimos sobre ella en
uno de los materiales anteriores . En un mundo donde la transmisión es la principal forma de consumo de música, y el contenido de entretenimiento compite directamente con la música, es difícil mantener la atención durante mucho tiempo. Plataformas de streaming: un buffet de la industria de la música. En tales condiciones, los oyentes tienden a intentarlo un poco y no a concentrarse en un plato.
Regreso de solteros
¿Cómo se adaptan los artistas al nuevo clima? A medida que los ciclos de noticias se
acortan y la atención pública se vuelve más difícil, la frecuencia del contenido tiene prioridad sobre su calidad. La tarea de los artistas intérpretes o ejecutantes es
permanecer en los encabezados y las listas de reproducción de los usuarios en lugar de hacer de su álbum su lista de reproducción. Si un intérprete pasó seis meses grabando un disco y le tomó al público solo una semana, entonces esto es una pérdida de dinero.
Además, los álbumes como tales solo se están acortando . Los estudios muestran que incluso en los discos más exitosos, la mayoría de las audiciones caen en 3-4 canciones.
Por lo tanto, los
artistas se centran en solteros . Es más probable que las personas los escuchen hasta el final, sin mencionar el hecho de que al lanzar una canción por unidad de tiempo, es posible crear leads de información con más frecuencia. Esta opinión es compartida por el
productor Savan Kotecha, conocido por trabajar con One Direction y The Weeknd. Si esos nombres tan conocidos están preocupados por crear un flujo constante de singles, entonces para los artistas de mediano calibre es aún más necesario que el álbum escuche la mayoría de sus canciones.
La cantante japonesa Siina Ringo lanzó recientemente su primer álbum en cuatro años. 8 de 13 canciones en él fueron lanzadas como singles. Dos canciones más estuvieron disponibles después de la apertura de pedidos anticipados. Como resultado, para el lanzamiento del álbum solo había tres pistas nuevas.
Debido al enfoque en los singles, salen
más remixes y duetos . Trabajar con otros artistas, ya sea adaptando una canción a la pista de baile o apareciendo en la canción de otra persona, ayuda a promocionar su marca y permanecer en el foco del público en general. Esto está en parte influenciado por la creciente popularidad del hip-hop, un género que fomenta la colaboración.
Foto Søren Astrup Jørgensen / UnsplashAlgunos artistas, inspirados en Hollywood y la explosión de franquicias cinematográficas, lanzan
secuelas de obras antiguas y una serie de álbumes . Esto les ayuda a explotar repetidamente la misma "historia" exitosa. En 2013, Eminem lanzó una
secuela de la grabación ya clásica de "The Marshall Mathers LP". Todos los álbumes del legendario grupo emo de
fútbol americano tienen el mismo nombre y difieren en número (como los primeros trabajos de Led Zeppelin). Los grupos de 1975 y Foals crean una
serie de álbumes , con la esperanza de que una inversión emocional en la primera parte les permita "salvar" a la audiencia.
El género del álbum no está muerto. Pero las realidades comerciales obligan a los artistas a repensar su enfoque del trabajo. Este estado de cosas tiene tanto aspectos positivos (más proyectos musicales conjuntos, menos rellenos, pistas para llenar el álbum) como negativos (álbumes que recuerdan la compilación). Es cierto que es demasiado pronto para sacar conclusiones finales. Al final, nadie sabe qué tecnología cambiará la industria de la música en los próximos cinco años.
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