Es mag scheinen, dass musikalischer Ruhm eine Garantie für Stabilität ist. Wenn Sie ein Album veröffentlicht haben, das Kritiker loben und das Millionen hören, kommt Armut nicht in Frage.
Leider ist der Status eines „Sterns“ als solcher keine Einnahmequelle. Musiker, auch berühmte, haben im Laufe ihrer Karriere manchmal finanzielle Schwierigkeiten.
Lassen Sie uns Ihnen sagen, warum Musiker nach der digitalen Revolution mehr Probleme hatten, wie dies die Musikindustrie veränderte und Künstler dazu brachte, nach neuen Einnahmequellen zu suchen.
Foto von Jörg Schubert / CC BYEs war: Alben und "physische" Verkäufe
Die wichtigste musikalische Form der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts war das Album - eine in sich geschlossene Aufnahme von 30 bis 45 Minuten, die von Anfang bis Ende angehört werden konnte. Der Fokus auf den Verkauf von Alben hat die Musikindustrie maßgeblich geprägt.
Alben waren die Hauptmethode, um sich auszudrücken und ihre eigene Identität zu schaffen, und andere Ereignisse im Leben von Musikern drehten sich um ihre Aufnahmen. Verträge mit Labels werden
bis heute oft nicht für einen Kalenderzeitraum, sondern für eine bestimmte Anzahl von Alben geschlossen.
Rekordverkäufe waren eine sehr wichtige Einnahmequelle für Musiker und ihre Labels. Im goldenen Zeitalter der Alben (1960er - 1980er Jahre) übertrafen die Einnahmen aus dem Verkauf physischer Medien die Einnahmen aus Tourneen um das
2-3-fache . Dies ermöglichte es einigen Darstellern, Konzertaktivitäten einfach zu ignorieren. Die Beatles verbrachten die zweite Hälfte ihrer Karriere ohne öffentlich zu erscheinen (abgesehen von einer Abschiedsvorstellung
auf dem Dach ). Ja, und populäre Musiker kleineren Kalibers könnten es sich leisten, andere Einnahmequellen zu ignorieren - Kate Bush tourte in den ersten 36 Jahren ihrer Karriere nur einmal.
Aber der Wert von Langspielplatten und dann von physischer Musik im Allgemeinen begann zu sinken. Der erste Schlag gegen die etablierte Ordnung der Dinge wurde von Musikfernsehkanälen ausgeführt. MTV, mit ihrem Fokus auf
Hit-Singles , ermutigte oberflächliche musikalische Allesfresser. Singles - kompakte Platten mit einem Song auf jeder Seite - gab es im Westen
seit dem 19. Jahrhundert und waren 5-6 mal
billiger als Alben. Ein solcher Preis zwang die Labels
, die Marge
zu begrenzen , was es Musikern schwer machte, ernsthaftes Geld zu verdienen.
Darüber hinaus hat die Fixierung auf Hits die Einstellung zur Musik verändert. Die Käufer von Singles interessierten sich weniger für den Kontext, in dem der Song konzipiert wurde (sie hörten nicht das gesamte Album). "Single Consuming" hat die Schaffung einer starken emotionalen Verbindung mit dem Musiker und seiner Arbeit erschwert und nicht die Möglichkeit gegeben, in die künstlerische Vision des Künstlers zu investieren. In die Geschäftssprache übersetzt, führten solche Käufe selten zu einer Markentreue, mit der weitere Einnahmen erzielt werden konnten.
Jetzt: Streaming, Singles und Sammeln
Mit dem Aufkommen von Breitband war die Bedrohung für die Musikindustrie eine massive Piraterie. Fast jeder kann eine Kopie der gekauften CD erstellen und deren Inhalt teilen. Die Unsicherheit von Audiodateien wurde von Musikunternehmen erschreckt, die den digitalen Markt umgingen. Stattdessen kämpften sie vergeblich für die illegale Verbreitung ihres geistigen Eigentums. Metallica
verklagte Napster, eine amerikanische Plattenfirma,
verklagte den P2P-Austauscher von Limewire, und CD-Hersteller führten Maßnahmen ein,
um das Kopieren zu
verhindern . Es war ein Diebstahl in ihren Augen.
Für Internetnutzer sind Austauscher jedoch zu einer Revolution im Musikvertrieb geworden. Napster, das auf dem Höhepunkt seiner Popularität etwa
80 Millionen Nutzer hatte, ermöglichte es ihnen nicht nur, Geld zu sparen, sondern war auch bequemer als in den Musikladen zu gehen. Er war der Prototyp von Streaming-Plattformen und ermöglichte mit wenigen Klicks den Zugriff auf einen riesigen Musikkatalog. Nach dem Tod von Napster wurde der erste große digitale Song-Store - iTunes - eröffnet. Mit der Legalisierung der digitalen Verbreitung von Musik korrigierte er die Situation leicht, konnte aber die Mehrheit nicht „anlocken“. Infolgedessen gingen die Einnahmen aus dem Musikverkauf im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts
um die Hälfte zurück.
Eine würdige Alternative zur Piraterie kam später. Streaming-Dienste, deren Abonnement billiger ist als der Kauf einer CD, ziehen Benutzer an, die es nicht gewohnt sind, für Musik zu bezahlen. Profitabilität für Musiker kommt jedoch nicht in Frage - eine Million Hörer auf Spotify bringen dem Künstler nur 5.000 Dollar ein .
Es lohnt sich jedoch, mit einem Gespräch darüber zu beginnen, dass bis zu einer Million Hörer immer noch einen Spaziergang wert sind. Oft erfordert die Verbreitung von Musik über Streaming-Dienste regelmäßige Gebühren und Kosten, um ein Publikum zum Anhören anzulocken (keineswegs empfehlen alle Autoren der Titel die Algorithmen der Plattformen selbst). Dies führt zu Verlusten für kleine Teams und unabhängige Autoren.
Die Probleme der digitalen Vertriebsmusiker enden hier nicht. Auch in diesem Format gewinnen Singles und damit Genres, die sich auf Singles konzentrieren. Alben sind nur für einen begrenzten Personenkreis interessant - auf Plattformen mit Millionen verschiedener Songs ist es selbst für bekannte Stars schwierig, die Aufmerksamkeit auf ihre Arbeit zu lenken.
Foto OhllyOhlhoff / Wikimedia CC BYDank der digitalen Revolution sind physische Formate in erster Linie zu Objekten von sammelbarem Wert geworden. Um den Umsatz zu steigern, produzieren die Darsteller wunderschöne Box-Sets, entwerfen interessanterweise Umschläge und Broschüren oder experimentieren sogar mit dem physischen Medium selbst. Solche Veröffentlichungen ziehen ein sehr enges Publikum an, das hauptsächlich aus treuen Fans besteht. Daher können moderne Musiker im Gegensatz zu Interpreten aus den 60er und 70er Jahren nicht allein vom Verkauf von Alben auf physischen Medien leben.
Um die Aufnahme des Albums einfach wiederzuerlangen und etwas zu verdienen, müssen die Darsteller einen Merch veröffentlichen, an einer Fernsehshow teilnehmen und vieles mehr touren. Obwohl Touring für viele Künstler keine Garantie für gute Einnahmen ist.
Vom Radio zu Internetseiten
Radio war ein Spiegelbild der Musikindustrie und eine wichtige, wenn auch nicht führende Einnahmequelle für unabhängige Musiker. Die Gebühr für jedes Lied, das mit einer ausreichend breiten Rotation gespielt wird, könnte die Aufnahme des Titels auszahlen und für stabile Einnahmen sorgen.
Im goldenen Zeitalter der Alben wurden die Wiedergabelisten großer Radiosender oft
von den DJs selbst aufgenommen . Dies vereinfachte den Sendevorgang erheblich. Einige Moderatoren (zum Beispiel
John Peel oder
Seva Novgorodtsev von der BBC) könnten unabhängig voneinander musikalische Phänomene erzeugen. Es war der Auftritt in der Show von Peel, der zur Popularität von Künstlern wie Joy Division und PJ Harvey führte.
Unabhängige Radiosender spielten auch eine Rolle bei der Bildung von Musikstars: Trotz der Illegalität war das britische Piratenradio einflussreich, und die amerikanische Indie-Bewegung, vertreten durch Gruppen wie REM und Pixies, wurde in Universitätsradiosendern „geboren“. Ein Hit im Radio war eine Einkommensgarantie und der Weg zu einem breiten Publikum - das heißt zu einem größeren Volumen an Albumverkäufen.
In den 90er Jahren begann der Prozess der Funkkonsolidierung sowohl in Großbritannien als auch in den Vereinigten Staaten. Große Radiosender und Medienunternehmen kauften nach und nach Konkurrenten auf. Das Ergebnis war offensichtlich: Fokusgruppen und zentralisierte Wiedergabelisten ersetzten die DJ-Kuratoren, und unabhängige Radiosender schlossen nacheinander. Im Jahr 2015 wurden nur
drei Songs aus den Top 100 des britischen Radios von unabhängigen Labels veröffentlicht, und ähnliche Trends sind in anderen Ländern zu beobachten. Laut einer finnischen Studie haben populäre Radiosender in den letzten zehn Jahren begonnen, dieselben Lieder häufiger zu wiederholen. Jetzt ohne Verbindung zu Medienriesen ins Radio zu gehen, ist keine leichte Aufgabe.
Eine Art Ersatz für das Radio ist das Internet geworden. Im wahrsten Sinne des Wortes kann jeder seinen Song auf SoundCloud oder einen ähnlichen Dienst hochladen, dies garantiert jedoch weder Einnahmen noch ein breites Publikum. Einerseits haben dank des Web viele Menschen ihre Stimme in der Musikindustrie bekommen. Andererseits ist es bei diesem Geräusch leicht, sich zu verlaufen, aber es ist schwierig, mit Ihrer Arbeit Geld zu verdienen.
Fotos Best Picko / CCZufällige Entdeckungen, die bisher aufgrund von DJs oder Sammlungen wenig bekannter Gruppen in Musikgeschäften möglich waren, finden immer seltener statt. Streaming-Service-Algorithmen können kein Risiko eingehen, wie dies zuvor von erfahrenen Kuratoren durchgeführt wurde. Natürlich kann der Musiker Glück haben, und diese oder jene Plattform wird beginnen, seine Musik Tausenden von Menschen anzubieten. In den letzten Jahren gab es
mindestens zwei solcher Situationen.
Einen Track auf einem Laptop „abflachen“ und einen Single in Ihrer eigenen Wohnung aufnehmen, eine Gruppenseite in sozialen Netzwerken erstellen und SoundCloud kreativ gestalten - das war in den siebziger Jahren kaum vorstellbar. Die digitale Revolution hat aufstrebenden Musikern viele Möglichkeiten eröffnet - aber nicht die Möglichkeit, ernsthaft Geld mit ihrer Arbeit zu verdienen.
In den folgenden Materialien erfahren Sie, welche Live-Darsteller keinen Superstar-Status haben.
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