In früheren Artikeln haben wir über die sich
verändernde Rolle von Kritikern in der Welt der Musik gesprochen. Lassen Sie uns nun darüber sprechen, wie das Querformat seine frühere Bedeutung verloren hat - und was es ersetzt hat.
Foto Florencia Viadana / UnsplashWie Alben den Musikmarkt eroberten
In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts war die Musikindustrie völlig anders als wir es heute kennen. Ein Teil der Änderungen war mit den damals populären Technologien verbunden - das Hauptmusikformat dieser Zeit waren Schellackplatten, die mit einer Geschwindigkeit von 78 Umdrehungen pro Minute abgespielt wurden. Eine Standard-10-Zoll-Schallplatte enthielt auf jeder Seite nur
drei Minuten Musik - dies begrenzte die Länge des Materials erheblich. Sogar Orchestermusik wurde bewusst auf eine Platte zugeschnitten. Gershwins erste Aufnahmen von
Rhapsodies im Blues-Stil dauerten ungefähr 9 Minuten, fast halb so viel wie die Originalversion des Werks. Es überrascht nicht, dass Singles die überwiegende Mehrheit der Veröffentlichungen ausmachten.
Es gab Alben - aber es gab nur wenige. Sie wurden in Box-Sets verteilt, die mehrere Datensätze enthielten. Schon damals hatten sie einige der Eigenschaften, die wir modernen Alben zuschreiben - zum Beispiel
Songs eines ähnlichen Themas . Aber sie konnten nicht als einzelne Musikstücke bezeichnet werden - sie waren eher Zusammenstellungen. Schuld daran ist die damals beliebte „harte Arbeitsteilung“ zwischen Musikautoren und Interpreten.
Alben bestanden oft aus Liedern verschiedener Komponisten, die zu unterschiedlichen Zeiten geschrieben und bereits von anderen veröffentlicht wurden. Es war nichts Schändliches, ein "Cover-Album" zu veröffentlichen.
In den frühen 50er Jahren begann die Vinyl-Revolution. Schallplatten eines neuen Typs mit bis zu 45 Minuten Musikmaterial wurden schnell populär. Dann traten die Genres des Autors in den Mainstream ein - Blues und Volksmusik. Eine Person, die seine Musik schreibt und aufführt, hat einen großen Anteil an kreativer Kontrolle über ihre Platten. Dies ermöglichte es den Alben, aus Sammlungen unterschiedlicher Lieder einzelne musikalische Werke zu machen.
Foto Fleur / UnsplashDie Transformation lässt sich am Beispiel der Beatles leicht verfolgen - einer der einflussreichsten Gruppen aller Zeiten. Ihre ersten beiden Alben bestanden fast zur Hälfte aus Liedern anderer Leute. In der Folge wurden sie praktisch von Deckblättern befreit, und gleichzeitig wurde ihre Arbeit ganzheitlicher und konzeptioneller. Der Höhepunkt dieses Trends war der berühmte „Sgt. Peppers Lonely Hearts 'Club Band “mit nahtlosen Übergängen zwischen Songs und Kompositionen, die an Suiten erinnern.
In den 70er Jahren wurden „Compilation-Alben“ weniger geschätzt als mehr konzeptionelle Werke. Die Alben selbst ähnelten in ihrer Struktur häufiger klassischen symphonischen Kompositionen - insbesondere im Prog-Rock-Genre, das an der Schnittstelle von Rock und akademischer Musik entstand.
Zum Beispiel besteht das Album „Thick As A Brick“ von Jethro Tull aus einem einzigen Song, der in zwei Teile unterteilt ist. Doppelalbum „Works Vol. 1 »von Emerson, Lake And Palmer beginnt mit einem Klavierkonzert eines Keyboarders und des London Symphony Orchestra. Die Tendenz, symphonische Techniken in das Material aufzunehmen, war nicht auf das Prog beschränkt. Viele der beliebten 70er-Jahre-Alben fallen ebenfalls unter diesen Trend - zum Beispiel Queen's berühmte "A Night At The Opera" oder David Z. Bowies
Ziggy Stardust -Rockoper.
Ende der 70er Jahre begann der Prozess der Akademisierung der Rockmusik zu sinken, aber die Erwartung, dass das Album mehr als die Summe seiner Komponenten sein sollte, blieb bestehen. Viele Popalben der 80er Jahre entwickelten diese Richtung weiter. Unter ihnen sind das Sign O 'The Times von Prince und Peter Gabriels So.
Alben der Sunset-Ära
Bereits in den 80er Jahren begannen jedoch Prozesse, die zu einem Rückgang der Popularität von Alben führten.
Die erste davon war der
zunehmende Fokus auf die Kommerzialisierung von Musik , angetrieben vom Musikfernsehen und dessen wachsende Beliebtheit bei jungen Menschen. Wir haben bereits darüber geschrieben, wie MTV der erste Jugendkanal im amerikanischen Kabelfernsehen wurde. Und es war kein Zufall - zu Beginn des Jahrzehnts erschienen
Studien , die den Einfluss von Jugendlichen auf die Marktwirtschaft beschrieben. Channel-Manager sahen eine unbesetzte - und möglicherweise sehr lukrative - Nische, die noch attraktiver wurde, als sich die gesetzlichen Beschränkungen in Bezug auf Werbung für Kinder
lockerten . Der künstlerische Wert der Musik ist im Vergleich zu ihrer unterhaltsamen Komponente in den Hintergrund getreten.
Als Ergebnis wurde das Genre geboren, das wir Teen Pop nennen. Er konzentrierte sich auf Singles, weil sie billiger als Alben sind, von Videoclips begleitet werden und keine langfristige Aufmerksamkeit von Kindern erfordern. Der Einfluss jugendlicher Popkünstler wurde genutzt, um Teenagergetränke,
Spielzeug und sogar
Geräte zu verkaufen. Künstlerische Musik, die komplexe Themen berührt (insbesondere im Albumformat), kann nicht mit Pop-Hits als Werbemaschine konkurrieren.
Ende der 80er Jahre erschienen
andere Genres , die mit der klassischen Songtradition schlecht vereinbar waren - Tanzelektronik und Hip-Hop. Die zentralen Figuren in der Tanzelektronik waren DJs, die Platten auf die Tanzfläche legten. Um einem DJ das Leben zu erleichtern, müssen elektronische Kompositionen „Puffer“ enthalten - eine lange Einführung und ein langes Ende. Dies erleichtert es, den perfekten Zeitpunkt für den Wechsel zwischen den Tracks zu finden. Traditionelle Albumkompositionen sind lakonischer Natur und bieten diese Möglichkeit nicht. Daher ist das Hauptformat der Tanzelektronik eine
12-Zoll-Single geworden .
Was den Hip-Hop betrifft, so gewann das Mixtape- Format in diesem Genre zunehmend an Popularität - eine Zusammenstellung von Kompositionen verschiedener Produzenten, die durch die Poesie des Künstlers vereint werden. Dutzende von Menschen können an einem Hip-Hop-Album arbeiten, ohne die Urheberrechtsinhaber der Samples zu zählen. Dies erschwert die Schaffung einer ganzheitlichen Arbeit. Konzeptalben haben den Hip-Hop nicht umgangen , sind aber nicht genrebildend geworden.
Der letzte Schlag gegen das Format des Albums war der
Tod der physischen Medien . Wir haben auch in
einem der vorherigen Materialien über sie geschrieben . In einer Welt, in der Streaming die Hauptform des Musikkonsums ist und Unterhaltungsinhalte direkt mit Musik konkurrieren, ist es schwierig, die Aufmerksamkeit für lange Zeit aufrechtzuerhalten. Streaming-Plattformen - ein Buffet der Musikindustrie. Unter solchen Bedingungen neigen die Zuhörer dazu, nur ein wenig zu probieren und sich nicht auf ein Gericht zu konzentrieren.
Singles kehren zurück
Wie passen sich die Darsteller an das neue Klima an? Wenn die Nachrichtenzyklen
kürzer werden und die öffentliche Aufmerksamkeit schwieriger wird, hat die Häufigkeit von Inhalten Vorrang vor ihrer Qualität. Die Aufgabe der Darsteller besteht
darin, in den Kopfzeilen und Benutzer-Wiedergabelisten zu bleiben, anstatt ihr Album zu ihrer Wiedergabeliste zu machen. Wenn ein Künstler sechs Monate damit verbracht hat, eine Platte aufzunehmen, und die Öffentlichkeit nur eine Woche gebraucht hat, dann ist dies Geldverschwendung.
Darüber hinaus werden Alben als solche immer kürzer . Studien zeigen, dass selbst bei den meisten Hit-Platten die meisten Auditions auf 3-4 Songs fallen.
Daher konzentrieren sich die
Darsteller auf Singles . Die Leute hören ihnen eher bis zum Ende zu - ganz zu schweigen von der Tatsache, dass es durch die Veröffentlichung eines Songs pro Zeiteinheit möglich ist, häufiger Info-Leads zu erstellen. Diese Meinung teilt der
Produzent Savan Kotecha, der für seine Zusammenarbeit mit One Direction und The Weeknd bekannt ist. Wenn solche bekannten Namen mit der Schaffung eines konstanten Stroms von Singles beschäftigt sind, ist es für mittelgroße Interpreten umso notwendiger, dass die meisten ihrer Songs vor der Veröffentlichung des Albums gehört werden.
Die japanische Sängerin Siina Ringo hat kürzlich ihr erstes Album seit vier Jahren veröffentlicht. 8 von 13 Songs wurden als Singles veröffentlicht. Nach der Eröffnung der Vorbestellungen wurden zwei weitere Songs verfügbar. Infolgedessen gab es zum Zeitpunkt der Veröffentlichung des Albums nur drei neue Titel.
Aufgrund des Fokus auf Singles kommen
mehr Remixe und Duette heraus. Die Zusammenarbeit mit anderen Interpreten - egal ob Sie einen Song an die Tanzfläche anpassen oder auf der Spur eines anderen auftreten - trägt dazu bei, Ihre Marke bekannt zu machen und im Fokus der Öffentlichkeit zu bleiben. Dies wird teilweise durch die wachsende Beliebtheit von Hip-Hop beeinflusst, einem Genre, das die Zusammenarbeit fördert.
Foto Søren Astrup Jørgensen / UnsplashEinige Künstler, inspiriert von Hollywood und der Explosion filmischer Franchise-Unternehmen, veröffentlichen
Fortsetzungen alter Werke und eine Reihe von Alben . Dies hilft ihnen, dieselbe erfolgreiche „Geschichte“ wiederholt auszunutzen. 2013 veröffentlichte Eminem eine
Fortsetzung der bereits klassischen Aufnahme von „The Marshall Mathers LP“. Alle Alben der legendären
American-Football- Emo-Gruppe haben den gleichen Namen und unterscheiden sich in der Anzahl (wie die frühen Werke von Led Zeppelin). Die Gruppen 1975 und Foals erstellen eine
Reihe von Alben , in der Hoffnung, dass eine emotionale Investition in den ersten Teil es ihnen ermöglicht, das Publikum zu „retten“.
Das Genre des Albums ist nicht tot. Die geschäftlichen Realitäten zwingen die Darsteller jedoch dazu, ihre Arbeitsweise zu überdenken. Dieser Zustand hat sowohl positive Aspekte (mehr gemeinsame Musikprojekte, weniger Füllstoffe, Titel, um das Album zu füllen) als auch negative Aspekte (Alben, die an die Zusammenstellung erinnern). Es ist zwar zu früh, um endgültige Schlussfolgerungen zu ziehen. Am Ende weiß niemand, welche Technologie die Musikindustrie in den nächsten fünf Jahren verändern wird.
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