Cómo y sobre qué escuchar los clásicos: muchas cartas sobre la percepción de la formación y el género de los equipos.

Al conocer mis pasiones, los conocidos a menudo me hacen preguntas sobre cómo y qué escuchar correctamente la música clásica (cámara, sinfónica, ópera, etc.), centrándome en el equipo. En muchos sentidos, esta publicación será la respuesta para ellos y, creo, será útil para aquellos que recién comienzan a interesarse por los clásicos académicos.



Al mismo tiempo, contrario a la práctica establecida, comenzaré no con el equipo, sino con las características de la percepción. Se sabe que, a diferencia de otros, la comprensión y la "inmersión" en géneros académicos requiere que los estudiantes dominen los métodos, habilidades especiales en la percepción de un trabajo musical. Teniendo en cuenta el problema de estas posiciones, el problema de hardware se vuelve secundario, pero también lo abordaré debajo del corte.

Aquellos que quieran ir inmediatamente a la parte técnica y dejar de lado los problemas de percepción musical pueden simplemente saltear tres secciones.

Un intento de clasificar los géneros académicos según la complejidad de la percepción.

Para la gran mayoría de las personas con las que hablé, hubo varias gradaciones de complejidad en los géneros académicos, las obras de cámara (composiciones cortas para composiciones de cámara: quintetos, cuartetos, etc., obras para actuaciones en solitario y en pareja) se percibieron con mayor facilidad. Esto no es sorprendente debido al pequeño número de herramientas y, a menudo, a una estructura relativamente simple.

Hay excepciones a esta regla, como las obras de Rachmaninov y las complejas composiciones polifónicas de Mozart para dos pianos de cola. En estos casos, como en algunos otros, las posibilidades limitadas de la cámara no facilitan el trabajo.



Las piezas de ópera se consideran más difíciles de percibir. Debido al hecho de que la ópera es una forma combinada de arte musical y teatral, donde los actores "juegan" roles principalmente por voz, se requiere comprensión para comprender las complejidades de un trabajo y evaluar la calidad de la actuación.



La música de órgano se llama aún más difícil de entender por los oyentes no muy experimentados. La evaluación de la calidad de las obras, e incluso la adicción a las fugas, tokats, passacales y preludios de órganos rara vez aparece al comienzo de una fascinación por los clásicos. Un interés vivo en el órgano probablemente se puede llamar un signo de un sabor emergente. Los neófitos en los clásicos son muy raros en los conciertos de órgano, a menudo hay oyentes experimentados, lo que confirma en parte la complejidad de tales obras para la gran mayoría.



Las obras más difíciles se consideran clásicos sinfónicos y composiciones corales polifónicas. Uno puede discutir sobre esto último, pero si aceptamos el axioma de que la voz humana es el más complejo de los instrumentos musicales, entonces la lógica de este enfoque se vuelve clara.



Tal clasificación por complejidad es imperfecta y no tiene en cuenta una serie de excepciones significativas, pero, en mi opinión, en general refleja la realidad. Por lo tanto, una pieza de cámara es comparable en complejidad a algún tipo de balada de roca con la única diferencia de que la primera, por regla general, es algo Más último.

Para empezar

Entendiendo lo que es más fácil de entender y lo que es más difícil, puede elegir dónde comenzar a escuchar los clásicos. Además, los principios de "escucha todo lo que te gusta", "asegúrate de escuchar éxitos" y "escucha el trabajo completo" son reglas útiles al comienzo de una introducción a la tradición musical académica. Y si todo está claro con el primero (lo que quieras), creo que con los siguientes dos principios, se necesitan algunas aclaraciones.

Con respecto a los éxitos, es importante entender que, a pesar de su carácter trillado, supuestamente populismo y ubicuidad (publicidad, titulares de los medios, uso por blogueros y cineastas de Youtube), es más fácil de entender para un oyente inexperto. La brillante simplicidad popularizó la Sonata número 14 de Beethoven, las Sinfonías 5 y 9 de Beethoven, el 24 capricho de Paganini, la toccata y la fuga de Bach en El vuelo de las valquirias de Wagner y Las estaciones de Vivaldi.

Al no haber estudiado estas piezas supuestamente aburridas, sin escucharlas a través de agujeros, sin comparar un par de docenas de interpretaciones (de Furtwengler a Karayan), no tiene sentido seguir adelante.

Como ejemplo, doy dos interpretaciones muy distintivas de la quinta sinfonía de Beethoven, la diferencia en las interpretaciones de Karayan y Tío se nota de inmediato :





Por supuesto, hay descubrimientos musicales personales entre composiciones desconocidas cubiertas con el polvo de una historia musical que toca el alma de un oyente inexperto, pero esto es más una excepción que una regla.

Para mí, un descubrimiento repentino fue el desconocido posmodernista finlandés de los clásicos académicos Erkki Salamenhaar (mucho más tarde supe que era uno de los supervisores y maestros del culto futurista y geek de los años 60 Erkki Kureniemi) :



En cuanto al "hasta el final", también creo que vale la pena explicarlo. El hecho es que una cantidad impresionante de música moderna se basa en un tema principal y dominante, que, disculpe por el sello, es un "hilo rojo" en toda la composición, con solo pequeños cambios y breves interrupciones para una parte de estribillo de coro tan uniforme. En los trabajos académicos, esto no es así, el tema melódico principal cambia varias veces y en cada segmento puede encontrar muchos matices interesantes, por lo que puede evaluar la intención del autor solo escuchando la pista hasta el final.

Entonces, para resumir, el trabajo ideal para comenzar con una escucha significativa de los clásicos se parece a esto: un concierto de cámara para un cuarteto de cuerda de viento, conocido y preferiblemente no muy largo, para que pueda escuchar fácilmente y comprender rápidamente la intención del autor.

En el futuro, después de escuchar obras maestras de cámara, puedes pasar a géneros más pesados. Al mismo tiempo, los conocedores de los clásicos a menudo también recomiendan comenzar con los éxitos más simples posibles. El cuento sinfónico "Petia y el lobo" de Sergei Prokofiev, donde cada instrumento corresponde a un determinado personaje, y la composición musical creada por el compositor facilita la lectura de la trama, se considera universalmente el trabajo ideal para que los niños se unan a la tradición musical académica.



Además, muchos aconsejan a los oyentes novatos de los clásicos "conciertos para jóvenes" de Leonard Bernstein, que se emitieron en CBS y ahora están disponibles en YouTube.

Percepción entrenamientos

Además de elegir obras que sean adecuadas para principiantes, puede ser útil explicar cómo escucharlas. Entonces, para la mayoría de las personas, los llamados Percepción "focal" de la música, cuando el oyente se concentra en la parte de un instrumento o un grupo de instrumentos que tocan el tema de forma sincronizada, el resto de la parte permanece completamente en la periferia y sirve como un tipo de fondo que no se percibe correctamente.

Se sabe que la conciencia de un oyente no preparado generalmente puede mantenerse durante mucho tiempo en un enfoque relativo de tres, máximo 4 instrumentos, el resto permanece en la periferia de la percepción. Si escuchas algún tipo de muerte melódica o una línea, entonces esas habilidades son suficientes, pero se vuelven menos para un quinteto de cuerda académico decente, sin mencionar una orquesta sinfónica de pleno derecho.

Las personas con una percepción desarrollada, a menudo amantes de la música y músicos experimentados, logran concentrarse en grupos de ocho a diez instrumentos que suenan simultáneamente en diferentes rangos de frecuencia, mientras que el resto del monolito del trabajo sinfónico no se desenfoca de la percepción. Gracias a esta habilidad, puedes escuchar la sinfonía en su conjunto.

Los compositores sinfónicos y los directores ingeniosos tienen una característica aún más interesante, pueden concentrarse en todo el trabajo de inmediato y en cualquier momento escuchan cada matiz y cada característica de cada uno de los instrumentos de la orquesta. Esta capacidad de percepción musical es el resultado de una rara habilidad innata o el resultado de muchos años de intenso entrenamiento.

Dicha capacitación también puede ayudar a los oyentes, para quienes es importante escuchar el trabajo como lo escuchó el compositor. Desarrollé la capacidad de tener una percepción completa de una pieza musical con el siguiente ejercicio:

Me concentré en un instrumento, y luego le agregué varios más alternativamente, tratando de mantenerlos en el foco de la percepción el mayor tiempo posible.

Después de solo un mes de clases diarias de dos horas, pude mantener enfocado el violín solo, la trompa, la trompa y un par de violonchelos. Un año después, escuché una parte impresionante de los instrumentos de la orquesta sinfónica y, a veces, incluso pude notar la melodía de un músico con una nota disonante descuidada.

También hay un entrenamiento de percepción basado en el principio exactamente opuesto. Para ella, es necesario descomponer la matriz musical existente en componentes instrumentales durante la escucha y concentrarse en las partes de los instrumentos individuales. Es importante centrarse en este instrumento desde el principio hasta el final del trabajo.

Desde mi experiencia personal, puedo recomendar no sobrecargar los clásicos y escuchar otros géneros entre los ejercicios de "integración", los motivos electrónicos deliberadamente brutales y primitivos del proyecto de diapositivas de los participantes 25/17, el equipo ICE-9, me ayudó mucho. En este sentido, también fueron buenos debido a la transición de la percepción de abstracciones clásicas a rígidos detalles textuales sociales.

También leí sobre ejercicios de desarrollo para músicos y directores (es decir, para aquellos que "leen de una hoja"). En tales ejercicios para el desarrollo de la memoria musical y la percepción holística, se recomendó estudiar la partitura en paralelo con la escucha de la grabación, después de lo cual, sin encender la música y solo mirar la hoja, recrear las partes individuales en la mente del instrumento, presentar cada nota y luego tocar 2 partes en la mente. , 3, 4, etc. herramientas

Equipo

Debo decir de inmediato que no soy un ferviente fanático del concepto de equipamiento de género. En mi opinión, la fidelidad a la reproducción es un concepto universal y solo se puede hablar de género en aquellos casos en que se trata de matices bastante sutiles.

Desde un punto de vista técnico, cualquier sistema de reproducción de sonido (no tenemos en cuenta el High End tecnocrático "feroz") es una especie de compromiso que le permite lograr algunas ventajas al sacrificar otras. Y el famoso "género", en mi opinión, puede considerarse únicamente como un estudio de compromiso de las características técnicas relacionadas con la reproducción de ciertos géneros, pero no como un concepto técnico completamente "ajustado" para, por ejemplo, obras corales.

Principios generales
Algunos audiófilos a menudo escuchan historias sobre la lámpara, se supone que es para jazz y música clásica, aunque el nivel de distorsión armónica y de intermodulación es aún mayor en la tecnología moderna de la lámpara y, en consecuencia, el sonido "borroso" está garantizado. Los juicios algo más razonados son sobre el género de los hablantes cuando dicen que los altavoces de banda ancha raros en una caja cerrada son más adecuados para los clásicos sinfónicos. Por lo tanto, intentan deshacerse de los filtros que tuercen la fase, y también llevan distorsiones adicionales asociadas con el inversor de fase.

Ideal para la música clásica será el más "honesto" en términos de componentes de reproducción. Para oídos extremadamente experimentados y entrenados, incluso la fuente (que en otros casos prácticamente no afecta los parámetros audibles) puede ser importante, es decir. Los clásicos corales y sinfónicos son el caso donde "la alta resolución sí importa". Me mantendré en silencio con tacto sobre los cables, los amantes de los Laces of Lace pueden expresar su opinión sobre qué y cómo los "ganchos" calentados mejoran con los clásicos en los comentarios.

Ganar
La amplificación no será decisiva para la calidad del resultado, pero el hecho es que el amplificador debería ser bueno. La abrumadora mayoría de los expertos de UMHCH recomiendan sistemas que operan en las clases A, AB y B. Yo personalmente me abstendré de recomendar una clase particular debido a la discusión del tema. Solo puedo decir que lo principal es la distorsión (cuanto más bajos son los armónicos y el IMD, mejor), la velocidad de respuesta del amplificador operacional también es importante. De las soluciones intransigentes a menudo se recomienda la amplificación aislada de canales estéreo, la llamada doble mono Naturalmente, la desventaja de tales decisiones es el costo.

AC
Lo más difícil es la elección de los altavoces. Aquí puede gastar mucho dinero y no obtener el resultado deseado. Si en nuestro tiempo puede encontrar algo en una caja cerrada que pueda pagar y sin un reflejo de graves, así como con una respuesta de frecuencia, respuesta de fase y distorsión aceptables, entonces con alta probabilidad este sistema le dará el nivel necesario de fidelidad de reproducción. Buscar deliberadamente opciones de banda ancha para audiófilos es una tarea difícil e ingrata y es poco probable que produzca el resultado deseado, porque si no hay problemas con los filtros, surgirán con distorsiones de frecuencia y armónicos.

Una opción ideal para los clásicos, creo, son los altavoces electrostáticos. Si tiene la oportunidad de comprarlos y planea escuchar seriamente los clásicos, no tire demasiado. Pero, como regla, surge un problema de costos. Por cierto, los electrostáticos se producen con mayor frecuencia en forma combinada, lo que permite amplificar los bajos utilizando una sección de inversor de fase dinámica. Una alternativa más barata a los electrostáticos son las opciones isodinámicas (las llamadas planas, de planar magnético), pero para la gran mayoría también son caras.



Para aquellos que no están listos para dar millones por soluciones intransigentes, pero que desean un sonido "honesto", tiene sentido prestar atención al monitoreo de la acústica. Entre mis favoritos personales están JBL LSR308 , Dynaudio LYD-5, Focal Shape 40 y el activo Adam Audio T7V . Quiero señalar que estos dispositivos se crearon para uso profesional, es decir, no darán ningún beneficio en forma de integración de varias habitaciones, especialmente control y conmutación convenientes, pero al mismo tiempo tienen parámetros universales y son bastante adecuados para escuchar atentamente una orquesta sinfónica o un gran coro mixto.

Un aspecto importante es la creación de un panorama estéreo realista, es decir. la ubicación de las fuentes de sonido aparentes (KIZ), que para los audiófilos se llama el término "escena". Al ser un habitual en los conciertos en vivo, puede determinar fácilmente dónde debe estar un instrumento en particular en la "escena". Si no visita con frecuencia la filarmónica más cercana, el siguiente esquema lo ayudará.



El patrón direccional, las características panorámicas (ancho, profundidad, claridad y precisión de la localización del KIZ), así como las distorsiones de intermodulación, son parámetros que son difíciles de identificar con métodos de hardware y tendrán que evaluarse subjetivamente. Para la distorsión de intermodulación, los agudos del coro de mujeres o niños son muy adecuados: se escucha contaminación con el oído "desnudo". Deben verificarse otras características subjetivas en una sala de exposición bien hecha, donde la acústica de la sala reduce la influencia de los primeros reflejos y las resonancias de la sala parásita.

Resumen

Usar o no usar recomendaciones para el entrenamiento de percepción y la selección de equipos es asunto personal de todos. Otra cosa importante es que los clásicos deberían escucharse, ya que el análisis y el estudio de la música académica proporciona una base para comprender el resto, y en el caso de músicos y compositores, un impulso para crear algo nuevo.

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