Comment et sur quoi écouter les classiques: de nombreuses lettres sur la perception de l'entraînement et le genre d'équipement

Connaissant mes passions, les connaissances me posent souvent des questions sur comment et sur quoi écouter correctement la musique classique (chambre, symphonique, opéra, etc.), en se concentrant sur l'équipement. À bien des égards, ce message leur sera la réponse et, je crois, sera utile à ceux qui commencent tout juste à s'intéresser aux classiques académiques.



En même temps, contrairement à la pratique établie, je ne commencerai pas par l'équipement, mais par les caractéristiques de la perception. On sait que, contrairement à d'autres, la compréhension et l '«immersion» dans les genres académiques nécessitent que les étudiants maîtrisent les méthodes - des compétences particulières dans la perception d'une œuvre musicale. Compte tenu du problème de ces positions, le problème matériel devient secondaire, mais j'y reviendrai également sous la coupe.

Ceux qui veulent immédiatement passer à la partie technique et laisser de côté les problèmes de perception musicale peuvent simplement sauter trois sections.

Une tentative de classer les genres académiques selon la complexité de la perception

Pour la grande majorité des personnes avec qui j'ai parlé, il y avait plusieurs degrés de complexité dans les genres académiques, les œuvres de chambre (compositions courtes pour compositions de chambre - quintettes, quatuors, etc., œuvres pour solos et paires) étaient les plus facilement perçues. Cela n'est pas surprenant en raison du petit nombre d'outils et, souvent, d'une structure relativement simple.

Il existe des exceptions à cette règle, comme les œuvres de Rachmaninov et les compositions polyphoniques complexes de Mozart pour deux pianos à queue. Dans ces cas, comme dans certains autres, les possibilités de chambre limitées ne facilitent pas le travail.



Les pièces d'opéra sont considérées comme plus difficiles à percevoir. Étant donné que l'opéra est une forme combinée d'art musical et théâtral, où les acteurs «jouent» des rôles principalement par la voix, la compréhension est nécessaire pour comprendre les subtilités d'une œuvre et évaluer la qualité de la performance.



La musique d'orgue est encore plus difficile à comprendre pour les auditeurs peu expérimentés. L'évaluation de la qualité des œuvres, voire la dépendance aux fugues, tokats, passacals et préludes d'orgue apparaît rarement au début d'une fascination pour les classiques. Un vif intérêt pour l'orgue peut très probablement être appelé le signe d'un goût émergent. Les néophytes dans les classiques sont très rares lors des concerts d'orgue, il y a souvent des auditeurs expérimentés, ce qui confirme en partie la complexité de telles œuvres pour la grande majorité.



Les œuvres les plus difficiles sont considérées comme des classiques symphoniques et des compositions chorales polyphoniques. On peut discuter de ce dernier, mais si nous acceptons l'axiome selon lequel la voix humaine est le plus complexe des instruments de musique, alors la logique de cette approche devient claire.



Une telle classification par complexité est imparfaite et ne prend pas en compte un certain nombre d'exceptions importantes, mais, à mon avis, reflète généralement la réalité. Ainsi, une pièce de chambre est comparable en complexité à une sorte de ballade rock, à la seule différence que la première, en règle générale, est quelque peu plus dernier.

Pour commencer

Comprendre ce qui est plus facile à comprendre et ce qui est plus difficile, vous pouvez choisir où commencer à écouter les classiques. De plus, les principes «écouter tout ce que vous aimez», «être sûr d'écouter les tubes» et «écouter l'œuvre en entier» sont des règles utiles au début d'une introduction à la tradition musicale académique. Et si tout est clair avec le premier (quoi que vous aimiez), alors avec les deux principes suivants, je pense, quelques clarifications sont nécessaires.

En ce qui concerne les hits, il est important de comprendre que, malgré leur falsification, soi-disant populisme et ubiquité (publicité, gros titres des médias, utilisation par les blogueurs et cinéastes Youtube), il est le plus facile à comprendre pour un auditeur non formé. Une simplicité éclatante a rendu populaires la Sonate n ° 14 de Beethoven, les 5e et 9e symphonies de Beethoven, le 24e Caprice de Paganini, le Boccaccu et la Fugue en ré mineur, Le Vol des valkyries de Wagner et Les Quatre saisons de Vivaldi.

N'ayant pas étudié ces pièces soi-disant ennuyées, sans les écouter à travers les trous, sans comparer quelques dizaines d'interprétations (de Furtwengler à Karayan), il n'a guère de sens de passer à autre chose.

À titre d’exemple, je donne deux interprétations très distinctives de la cinquième symphonie de Beethoven, la différence dans les interprétations de Karayan et de l’oncle est immédiatement perceptible :





Bien sûr, il y a des découvertes musicales personnelles parmi des compositions inconnues couvertes de la poussière d'une histoire musicale qui touchent l'âme d'un auditeur inexpérimenté, mais c'est plus une exception qu'une règle.

Pour moi, une découverte soudaine a été le postmoderniste finlandais inconnu des classiques universitaires Erkki Salamenhaar (beaucoup plus tard, j'ai appris qu'il était l'un des superviseurs et des enseignants du futuriste culte et geek des années 60 Erkki Kureniemi) :



Quant au «jusqu'au bout», je pense aussi qu'il vaut la peine d'être expliqué. Le fait est qu'une quantité impressionnante de musique moderne est basée sur un thème principal dominant qui, excusez-moi pour le timbre, est un «fil rouge» à travers toute la composition, avec seulement des changements mineurs et de courtes pauses pour une partie aussi uniforme de refrain de refrain. Dans les travaux académiques, ce n'est pas le cas, le thème mélodique principal change plusieurs fois et dans chacun de ces segments, vous pouvez trouver de nombreuses nuances intéressantes, de sorte que vous ne pouvez évaluer l'intention de l'auteur qu'après avoir écouté la piste jusqu'à la fin.

Donc, pour résumer, la pièce idéale pour commencer une écoute significative des classiques ressemble à ceci: un concert de chambre pour un quatuor à cordes, connu et de préférence pas très long, afin que vous puissiez facilement écouter et comprendre rapidement l'intention de l'auteur.

À l'avenir, après avoir écouté des chefs-d'œuvre de chambre, vous pourrez passer à des genres plus lourds. Dans le même temps, les connaisseurs de classiques recommandent souvent de commencer par les hits les plus simples possibles. Le conte symphonique "Petya et le loup" de Sergei Prokofiev, où chaque instrument correspond à un certain personnage, et la composition musicale créée par le compositeur facilite la lecture de l'intrigue, est universellement considéré comme l'ouvrage idéal pour les enfants à rejoindre la tradition musicale académique.



De plus, beaucoup conseillent aux auditeurs novices les «concerts pour les jeunes» classiques de Leonard Bernstein, qui ont été diffusés sur CBS et sont maintenant disponibles sur YouTube.

Séances d'entraînement de perception

En plus de choisir des œuvres adaptées aux débutants, il peut être utile d'expliquer comment les écouter. Donc, pour la plupart des gens, le soi-disant Perception «focale» de la musique, lorsque l'auditeur se concentre sur les parties d'un instrument ou d'un groupe d'instruments jouant du thème de manière synchrone, le reste des parties reste complètement à la périphérie et sert de genre de fond qui n'est pas perçu correctement.

On sait que la conscience d'un auditeur non préparé peut généralement tenir longtemps dans un foyer relatif trois, maximum 4 instruments, le reste restant à la périphérie de la perception. Si vous écoutez une sorte de mort mélodique ou une réplique, de telles capacités suffisent, mais elles deviennent moins nombreuses pour un quintette à cordes académique décent, sans parler d'un orchestre symphonique à part entière.

Les personnes ayant une perception développée, souvent des mélomanes et des musiciens expérimentés, parviennent à se concentrer en groupes de huit à dix instruments qui sonnent simultanément dans différentes gammes de fréquences, tandis que le reste du monolithe de l'œuvre symphonique ne sort pas du foyer de la perception. Grâce à cette capacité, vous pouvez entendre la symphonie dans son ensemble.

Les compositeurs symphoniques et les chefs ingénieux ont une caractéristique encore plus intéressante, ils sont capables de se concentrer sur l'ensemble de l'œuvre immédiatement et à tout moment, ils entendent chaque nuance et chaque caractéristique de chacun des instruments de l'orchestre. Cette capacité de perception musicale est soit le résultat d'une rare douance innée, soit le résultat de nombreuses années d'entraînement intense.

Une telle formation peut également aider les auditeurs, pour qui il est important d'entendre l'œuvre comme le compositeur l'a entendue. J'ai développé la capacité d'avoir une perception complète d'un morceau de musique avec l'exercice suivant:

Je me suis concentré sur un instrument, puis j'en ai ajouté plusieurs autres en alternance, essayant de les garder au centre de la perception aussi longtemps que possible.

Après seulement un mois de cours quotidiens de deux heures, j'ai pu garder le focus sur le violon solo, le cor français, le cor de basset et quelques violoncelles. Un an plus tard, j'entendais une partie impressionnante des instruments de l'orchestre symphonique et parfois je pouvais même remarquer le jambage d'un musicien avec une note dissonante bâclée.

Il y a aussi un entraînement à la perception construit sur le principe opposé exact. Pour elle, il est nécessaire de décomposer le réseau musical existant en composants instrumentaux lors de l'écoute et de se concentrer sur les parties d'instruments individuels. Il est important de se concentrer sur cet instrument du début à la fin des travaux.

D'après mon expérience personnelle, je peux recommander de ne pas surcharger les classiques et d'écouter d'autres genres entre les exercices d '«intégration», les motifs électroniques délibérément brutaux et primitifs du projet de diapositives des 25/17 participants, l'équipe ICE-9, m'a beaucoup aidé. En ce sens, ils étaient également bons en raison de la transition de la perception des abstractions classiques aux spécificités textuelles sociales rigides.

J'ai également lu des exercices de développement pour les musiciens et les chefs d'orchestre (c'est-à-dire pour ceux qui «lisent à partir d'une feuille»). Dans de tels exercices pour le développement de la mémoire musicale et de la perception holistique, il était recommandé d'étudier la partition en parallèle à l'écoute de l'enregistrement, après quoi, sans allumer la musique et simplement regarder la feuille, recréer les parties individuelles dans l'esprit de l'instrument, présenter chaque note, puis jouer 2 parties dans l'esprit , 3, 4, etc. des outils.

Équipement

Je dois dire tout de suite que je ne suis pas un ardent fanatique du concept d'équipement de genre. À mon avis, la fidélité de la reproduction est un concept universel et on ne peut parler de genre que dans les cas où il s'agit de nuances assez subtiles.

D'un point de vue technique, tout système de reproduction sonore (on ne prend pas en compte le haut de gamme technocratique «féroce») est une sorte de compromis qui vous permet de réaliser certains avantages en en sacrifiant d'autres. Et le fameux «genre», à mon avis, ne peut être considéré que comme une étude de compromis des caractéristiques techniques associées à la reproduction de certains genres, mais pas comme un concept technique complètement «adapté», par exemple, aux œuvres chorales.

Principes généraux
Certains audiophiles entendent souvent des histoires sur la lampe, c'est censé être pour le jazz et la musique classique, bien que le niveau des harmoniques et de la distorsion d'intermodulation soit encore plus élevé dans la technologie de lampe moderne et, en conséquence, le son "flou" est garanti. Des jugements un peu plus raisonnés portent sur le genre de haut-parleurs quand ils disent que les rares haut-parleurs à large bande dans une boîte fermée conviennent mieux aux classiques symphoniques. Ainsi, ils essaient de se débarrasser des filtres qui tordent la phase, et portent également des distorsions supplémentaires associées au convertisseur de phase.

Idéal pour la musique classique sera le plus «honnête» en termes de composants de lecture. Pour les oreilles extrêmement expérimentées et entraînées, même la source (qui dans d'autres cas n'affecte pratiquement pas les paramètres audibles) peut être importante, c'est-à-dire les classiques choraux et symphoniques sont le cas où «la haute résolution compte». Je me tairai avec tact sur les fils, les amoureux des dentelles peuvent exprimer leur opinion sur qui et comment les "cintres" chauffés font mieux avec les classiques dans les commentaires.

Gain
L'amplification ne sera pas décisive pour la qualité du résultat, mais le fait est que l'amplificateur doit être bon. La grande majorité des experts de l'UMHCH recommande des systèmes fonctionnant dans les classes A, AB et B. Je m'abstiendrai personnellement de recommander une classe particulière en raison de la discussion de la question. Je peux seulement dire que l'essentiel est la distorsion (plus les harmoniques et IMD sont faibles, mieux c'est), la vitesse de réponse de l'amplificateur opérationnel est également importante. Parmi les solutions sans compromis recommandent souvent une amplification isolée des canaux stéréo, ce que l'on appelle double mono. Naturellement, l'inconvénient de telles décisions est le coût.

AC
Le plus difficile est le choix des enceintes. Ici, vous pouvez dépenser beaucoup d'argent et ne pas obtenir le résultat souhaité. Si, à notre époque, vous pouvez trouver quelque chose dans une boîte fermée que vous pouvez vous permettre et sans bass-reflex, ainsi qu'avec une réponse en fréquence, une réponse de phase et une distorsion acceptables, alors avec une forte probabilité, ce système vous donnera le niveau nécessaire de fidélité de reproduction. Rechercher délibérément des options de large bande audiophile est une tâche difficile et ingrate et ne mènera probablement pas au résultat souhaité - car en l'absence de problèmes avec les filtres, ils se produiront avec des distorsions de fréquence et des harmoniques.

Une option idéale pour les classiques, je pense, sont les haut-parleurs électrostatiques. Si vous avez la possibilité de les acheter et que vous prévoyez d'écouter sérieusement les classiques - ne tirez pas trop. Mais, en règle générale, un problème de coût se pose. Soit dit en passant, les électrostats sont plus souvent produits sous une forme combinée, ce qui permet d'amplifier les bas à l'aide d'une section dynamique à inverseur de phase. Une alternative moins chère aux électrostats sont les options isodynamiques (les soi-disant planaires, du planaire magnétique), mais pour la grande majorité, elles sont également coûteuses.



Pour ceux qui ne sont pas prêts à donner des millions pour des solutions sans compromis, mais qui veulent un son «honnête», il est logique de faire attention à la surveillance de l'acoustique. Parmi mes favoris personnels figurent le JBL LSR308 , le Dynaudio LYD-5, le Focal Shape 40 et l'actif Adam Audio T7V . Je tiens à noter que ces appareils ont été créés pour un usage professionnel, c'est-à-dire qu'ils ne donneront aucun avantage sous forme d'intégration multi-pièces, en particulier un contrôle et une commutation pratiques, mais en même temps, ils ont des paramètres universels et sont tout à fait adaptés à une écoute réfléchie d'un orchestre symphonique ou d'un grand chœur mixte.

Un aspect important est la création d'un panorama stéréo réaliste, c'est-à-dire l'emplacement des sources sonores apparentes (KIZ), qui pour les audiophiles est appelé le terme «scène». Étant un habitué des concerts, vous pouvez facilement déterminer où un instrument particulier devrait être dans la «scène». Si vous ne visitez pas souvent le philharmonique le plus proche, le schéma ci-dessous vous aidera.



Le modèle directionnel, les caractéristiques panoramiques (largeur, profondeur, clarté et précision de la localisation de la KIZ), ainsi que les distorsions d'intermodulation - ce sont des paramètres qui sont difficiles à identifier avec les méthodes matérielles et devront être évalués de manière subjective. Pour la distorsion d'intermodulation, les aigus de la chorale des femmes ou des enfants sont bien adaptés - une contamination se fait entendre à l'oreille «nue». D'autres caractéristiques subjectives doivent être vérifiées dans une salle d'exposition bien conçue, où l'acoustique de la pièce réduit l'influence des premières réflexions et des résonances parasites de la pièce.

Résumé

Utiliser ou ne pas utiliser des recommandations pour la formation à la perception et la sélection d'équipement est l'affaire personnelle de chacun. Une autre chose importante est que les classiques doivent être écoutés, car l'analyse et l'étude de la musique académique fournissent une base pour comprendre le reste et, dans le cas des musiciens et des compositeurs, un élan pour créer quelque chose de nouveau.

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