Dans des articles antérieurs, nous avons parlé de l'
évolution du rôle des critiques dans le monde de la musique. Parlons maintenant de la façon dont le format paysage a perdu son ancienne signification - et de ce qui est venu le remplacer.
Photo Florencia Viadana / UnsplashComment les albums ont conquis le marché de la musique
Dans la première moitié du 20e siècle, l'industrie musicale était complètement différente de ce que nous connaissons aujourd'hui. Une partie des changements était associée aux technologies alors populaires - le principal format musical de cette époque était les disques de gomme laque, qui étaient joués à une vitesse de 78 tours par minute. Un disque standard de 10 pouces ne contenait que
trois minutes de musique de chaque côté - ce qui limitait sérieusement la longueur du matériel. Même la musique orchestrale a été délibérément coupée pour tenir sur un disque. Les premiers enregistrements de la
Rhapsodie dans le style blues de Gershwin ont duré environ 9 minutes, presque la moitié de la version originale de l’œuvre. Sans surprise, les singles représentaient la grande majorité des sorties.
Les albums existaient - mais il y en avait peu. Ils ont été distribués dans des coffrets contenant plusieurs enregistrements. Même alors, ils avaient certaines des caractéristiques que nous attribuons aux albums modernes - par exemple, comprenaient des
chansons d'un thème similaire . Mais ils ne pouvaient pas être appelés des morceaux de musique simples - ils ressemblaient plus à des compilations. Cela peut être imputé à la «division difficile du travail», qui était populaire à l'époque, entre les auteurs de la musique et ses interprètes.
Les albums étaient souvent composés de chansons de différents compositeurs, écrites à des moments différents et déjà publiées par d'autres personnes. Il n'y avait rien de honteux à sortir un "album de couverture".
Au début des années 50, la révolution du vinyle a commencé. Les disques d'un nouveau type, contenant jusqu'à 45 minutes de matériel musical, sont rapidement devenus populaires. Puis les genres de l'auteur sont entrés dans le courant dominant - le blues et la musique folklorique. Une personne qui écrit et interprète sa musique a une grande part de contrôle créatif sur ses disques. Cela a permis aux albums de se transformer de collections de chansons disparates en œuvres musicales uniques.
Photo Fleur / UnsplashLa transformation est facile à suivre par l'exemple des Beatles - l'un des groupes les plus influents de tous les temps. Leurs deux premiers albums étaient presque à moitié composés de chansons d'autres personnes. Par la suite, ils se sont pratiquement débarrassés des couvertures, et en même temps leur travail est devenu plus holistique et conceptuel. Le point culminant de cette tendance a été le célèbre «Sgt. Pepper's Lonely Hearts 'Club Band », avec des transitions fluides entre chansons et compositions rappelant les suites.
Dans les années 70, les «albums de compilation» ont commencé à être moins valorisés que les œuvres plus conceptuelles. Les albums eux-mêmes dans leur structure ressemblaient le plus souvent à des compositions symphoniques classiques - en particulier dans le genre prog rock, formé à la jonction du rock et de la musique académique.
Par exemple, l'album "Thick As A Brick" de Jethro Tull se compose d'une seule chanson, divisée en deux parties. Double album «Works Vol. 1 »d'Emerson, Lake And Palmer s'ouvre sur un concert de piano joué par un claviériste et le London Symphony Orchestra. La tendance à incorporer des techniques symphoniques dans le matériau n'était pas limitée au prog. De nombreux albums populaires des années 70 s'inscrivent également dans cette tendance - par exemple, le célèbre «A Night At The Opera» de Queen ou l'opéra rock
Ziggy Stardust de David Z. Bowie.
À la fin des années 70, le processus d'académisation de la musique rock a commencé à décliner, mais l'espoir que l'album soit plus que la somme de ses composants est resté. De nombreux albums pop des années 80 ont continué à développer cette direction. Parmi eux, le Sign O 'The Times de Prince et So de Peter Gabriel.
Albums de l'ère Sunset
Cependant, déjà dans les années 80, des processus ont commencé qui ont conduit à une baisse de la popularité des albums.
Le premier d'entre eux était l'
accent croissant mis sur la commercialisation de la musique , tirée par la télévision musicale et sa popularité croissante auprès des jeunes. Nous avons déjà
écrit comment MTV est devenue la première chaîne jeunesse sur la télévision par câble américaine. Et ce n'est pas un hasard - au début de la décennie, des
études sont apparues décrivant l'influence des adolescents sur l'économie de marché. Les dirigeants de la chaîne ont vu une niche inoccupée - et potentiellement très lucrative - qui est devenue encore plus attrayante à mesure que les restrictions législatives liées à la publicité pour les enfants se
desserraient . La valeur artistique de la musique s'est estompée au second plan par rapport à sa composante divertissante.
En conséquence, le genre que nous appelons la pop teen est né. Il s'est concentré sur les singles car ils sont moins chers que les albums, accompagnés de clips vidéo et ne nécessitent pas d'attention à long terme de la part des enfants. L'influence des artistes pop adolescents a été utilisée pour vendre des boissons, des
jouets et même des
appareils aux adolescents. La musique artistique qui touche à des sujets complexes (en particulier dans le format album) ne peut pas rivaliser avec les succès pop comme moteur publicitaire.
À la fin des années 80, d'
autres genres sont apparus peu compatibles avec la tradition de la chanson classique - l'électronique de danse et le hip-hop. Les figures centrales de l'électronique de danse étaient des DJ qui mettaient des disques sur la piste de danse. Pour faciliter la vie d'un DJ, il doit y avoir des «tampons» dans les compositions électroniques - une longue introduction et une longue fin. Cela permet de trouver plus facilement le moment idéal pour basculer entre les pistes. Les compositions d'album traditionnelles sont de nature laconique et ne donnent pas cette opportunité. Par conséquent, le format principal de l'électronique de danse est devenu un
single de 12 pouces .
Quant au hip-hop, dans ce genre, le format mixtape a commencé à gagner en popularité - une compilation maison de compositions de divers producteurs, qui sont unies par la poésie de l'artiste. Des dizaines de personnes peuvent travailler sur un album hip-hop, sans compter les titulaires des droits d'auteur des échantillons. Cela complique la création d'une œuvre holistique. Les albums conceptuels n'ont pas contourné le hip-hop, mais ne sont pas devenus un genre.
Le coup final au format de l'album a été porté par la
mort des médias physiques . Nous avons également écrit à son sujet dans l'
un des documents précédents . Dans un monde où le streaming est la principale forme de consommation de musique et où le contenu de divertissement est en concurrence directe avec la musique, l'attention est difficile à maintenir pendant longtemps. Plateformes de streaming - un buffet de l'industrie musicale. Dans de telles conditions, les auditeurs ont tendance à essayer un peu et à ne pas se concentrer sur un plat.
Retour des célibataires
Comment les interprètes s'adaptent-ils au nouveau climat? À mesure que les cycles de nouvelles
raccourcissent et que l'attention du public devient plus difficile, la fréquence du contenu prime sur sa qualité. La tâche des interprètes est
de rester dans les en-têtes et les listes de lecture des utilisateurs plutôt que de faire de leur album leur liste de lecture. Si un artiste a passé six mois à enregistrer un disque et qu'il n'a fallu au public qu'une semaine, c'est de l'argent gaspillé.
De plus, les albums en tant que tels ne font que raccourcir . Des études montrent que même sur les disques les plus frappés, la plupart des auditions tombent sur 3-4 chansons.
Par conséquent, les
artistes se concentrent sur les célibataires . Les gens sont plus susceptibles de les écouter jusqu'à la fin - sans parler du fait qu'en libérant une chanson par unité de temps, il est possible de créer des pistes d'informations plus souvent. Cette opinion est partagée par le
producteur Savan Kotecha, connu pour avoir travaillé avec One Direction et The Weeknd. Si de tels noms bien connus sont préoccupés par la création d'un flux constant de singles, alors pour les interprètes de calibre moyen, il est d'autant plus nécessaire que la plupart de leurs chansons soient entendues par l'album.
La chanteuse japonaise Siina Ringo a récemment sorti son premier album en quatre ans. 8 chansons sur 13 sont sorties en single. Deux autres chansons sont devenues disponibles après l'ouverture des précommandes. En conséquence, à la sortie de l'album, il n'y avait que trois nouveaux morceaux.
En raison de l'accent mis sur les singles,
plus de remixes et de duos sortent. Travailler avec d'autres artistes - qu'il s'agisse d'adapter une chanson à la piste de danse ou d'apparaître sur la piste de quelqu'un d'autre, aide à promouvoir votre marque et à rester au centre de l'attention du grand public. Cela est en partie influencé par la popularité croissante du hip-hop, un genre qui encourage la collaboration.
Photo Søren Astrup Jørgensen / UnsplashCertains artistes, inspirés par Hollywood et l'explosion des franchises cinématographiques, sortent des
suites d'œuvres anciennes et une série d'albums . Cela les aide à exploiter à plusieurs reprises la même «histoire» réussie. En 2013, Eminem a sorti une
suite de l'enregistrement déjà classique de "The Marshall Mathers LP". Tous les albums du légendaire
groupe emo de
football américain portent le même nom et diffèrent en nombre (comme les premières œuvres de Led Zeppelin). Les groupes 1975 et Foals créent une
série d'albums , dans l'espoir qu'un investissement émotionnel dans la première partie leur permettra de «sauver» le public.
Le genre de l'album n'est pas mort. Mais les réalités commerciales obligent les artistes interprètes à repenser leur approche du travail. Cet état de fait a à la fois des aspects positifs (plus de projets musicaux communs, moins de fillers, des morceaux pour remplir l'album) et des négatifs (albums rappelant la compilation). Certes, il est trop tôt pour tirer des conclusions définitives. En fin de compte, personne ne sait quelle technologie va changer l'industrie de la musique au cours des cinq prochaines années.
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