Mengetahui hasrat saya, kenalan sering bertanya kepada saya tentang bagaimana dan apa yang harus didengarkan musik klasik dengan benar (ruang, simfoni, opera, dll.), Dengan fokus pada peralatan. Dalam banyak hal, posting ini akan menjadi jawaban bagi mereka dan, saya percaya, akan bermanfaat bagi mereka yang baru mulai tertarik pada klasik akademik.
Pada saat yang sama, bertentangan dengan praktik yang sudah mapan, saya akan mulai bukan dengan peralatan, tetapi dengan karakteristik persepsi. Diketahui bahwa, tidak seperti yang lain, pemahaman dan "pencelupan" dalam genre akademik mengharuskan siswa untuk menguasai metode - keterampilan khusus dalam persepsi karya musik. Mempertimbangkan masalah dari posisi-posisi ini, masalah perangkat keras menjadi masalah kedua, tetapi saya juga akan menyinggung masalah itu di bawah potongan.
Mereka yang segera ingin pergi ke bagian teknis dan mengesampingkan masalah persepsi musik dapat dengan mudah melewatkan tiga bagian.Upaya mengklasifikasikan genre akademik sesuai dengan kompleksitas persepsi
Bagi sebagian besar orang yang berbicara dengan saya, ada beberapa gradasi kompleksitas dalam genre akademik, karya ruang (komposisi pendek untuk komposisi ruang - kuintet, kuartet, dll., Karya untuk pertunjukan solo dan berpasangan) paling mudah dirasakan. Ini tidak mengherankan karena sejumlah kecil alat, dan, seringkali, struktur yang relatif sederhana.
Ada pengecualian untuk aturan ini, seperti karya Rachmaninov dan komposisi polifonik Mozart yang kompleks untuk dua piano besar. Dalam kasus ini, seperti yang lain, kemungkinan ruang terbatas tidak membuat pekerjaan lebih mudah.
Karya Opera dianggap lebih sulit untuk persepsi. Karena fakta bahwa opera adalah bentuk gabungan dari seni musik dan teater, di mana aktor "memainkan" peran terutama dengan suara, pemahaman diperlukan untuk memahami seluk-beluk sebuah karya dan menilai kualitas kinerja.
Musik organ disebut lebih sulit untuk dipahami oleh pendengar yang tidak terlalu berpengalaman. Evaluasi kualitas karya, dan bahkan kecanduan fugues, tokats, passacal dan pembukaan organ jarang muncul pada awal ketertarikan dengan klasik. Ketertarikan yang hidup pada organ kemungkinan besar bisa disebut sebagai tanda rasa yang muncul. Neophytes dalam klasik sangat jarang di konser organ, sering ada pendengar yang berpengalaman, yang sebagian menegaskan kompleksitas pekerjaan seperti itu bagi sebagian besar.
Karya-karya yang paling sulit dianggap sebagai komposisi klasik simfonik dan paduan suara polifonik. Orang dapat berdebat tentang yang terakhir, tetapi jika kita menerima aksioma bahwa suara manusia adalah alat musik yang paling kompleks, maka logika pendekatan ini menjadi jelas.
Klasifikasi kompleksitas semacam itu tidak sempurna dan tidak memperhitungkan sejumlah pengecualian signifikan, tetapi, menurut pendapat saya, secara umum mencerminkan kenyataan. Jadi, sebuah bilik komparatif sebanding dengan kerumitan semacam balada batu dengan satu-satunya perbedaan yaitu yang pertama, sebagai suatu peraturan, agak lebih terakhir.
Untuk memulai
Memahami apa yang lebih mudah dipahami dan apa yang lebih sulit, Anda dapat memilih di mana untuk mulai mendengarkan musik klasik. Selain itu, prinsip-prinsip "dengarkan semua yang kamu suka", "pastikan untuk mendengarkan lagu-lagu hit" dan "dengarkan karya secara penuh" adalah aturan yang berguna di awal pengantar tradisi musik akademis. Dan jika semuanya jelas dengan yang pertama (apa pun yang Anda suka), maka dengan dua prinsip berikut, saya pikir, beberapa klarifikasi diperlukan.
Mengenai hit, penting untuk memahami bahwa, terlepas dari kepailitannya, yang diduga populisme dan di mana-mana (iklan, berita utama media, digunakan oleh blogger Youtube dan pembuat film), adalah yang termudah untuk dipahami oleh pendengar yang tidak terlatih. Kesederhanaan yang brilian menjadikan Beethoven Sonata No. 14 populer, Simfoni Beethoven ke-5 dan ke-9, Caprice ke-24 Paganini, toccata dan fugue Bach dalam Flight of the Valkyries and Vivaldi Seasons milik Wagner.
Karena tidak mempelajari potongan-potongan yang seharusnya bosan ini, tanpa mendengarkannya melalui lubang, tanpa membandingkan beberapa lusin interpretasi (dari Furtwengler ke Karayan), hampir tidak masuk akal untuk melanjutkan.
Sebagai contoh, saya memberikan dua interpretasi yang sangat khas tentang simfoni kelima Beethoven, perbedaan dalam interpretasi Karayan dan Paman segera terlihat :
Tentu saja, ada penemuan-penemuan musik pribadi di antara komposisi-komposisi yang tidak dikenal yang ditutupi oleh debu sejarah musik yang menyentuh jiwa pendengar yang tidak berpengalaman, tetapi ini lebih merupakan pengecualian daripada aturan.
Bagi saya, sebuah penemuan mendadak adalah postmodernis Finlandia yang tidak dikenal dari klasik akademik Erkki Salamenhaar (lama kemudian saya mengetahui bahwa ia adalah salah satu pengawas dan guru futuris kultus dan geek dari tahun 60-an Erkki Kureniemi) :
Adapun "sampai akhir", saya juga berpikir itu layak dijelaskan. Faktanya adalah bahwa jumlah musik modern yang mengesankan didasarkan pada satu tema utama dan dominan, yang, maaf untuk cap, adalah "benang merah" melalui seluruh komposisi, dengan hanya perubahan kecil dan istirahat pendek untuk bagian refrain-refrain yang monoton. Dalam karya-karya akademik, ini tidak begitu, tema melodi utama berubah beberapa kali dan di setiap segmen tersebut Anda dapat menemukan banyak nuansa menarik, sehingga Anda dapat mengevaluasi maksud penulis hanya dengan mendengarkan trek sampai akhir.
Jadi, untuk meringkas, karya ideal untuk memulai mendengarkan klasik yang bermakna terlihat seperti ini: konser ruang untuk beberapa kuartet gesek, yang dikenal dan lebih disukai tidak terlalu lama, sehingga Anda dapat dengan mudah mendengarkan dan dengan cepat memahami maksud penulis.
Di masa mendatang, setelah mendengarkan karya agung kamar, Anda dapat beralih ke genre yang lebih berat. Pada saat yang sama, para pecinta klasik sering juga merekomendasikan memulai dengan hit yang paling sederhana. Kisah simfonik "Petya and the Wolf" oleh Sergei Prokofiev, di mana setiap instrumen sesuai dengan karakter tertentu, dan komposisi musik yang dibuat oleh komposer membuatnya mudah untuk membaca alurnya, secara universal dianggap sebagai karya ideal bagi anak-anak untuk bergabung dengan tradisi musik akademis.
Juga, banyak menyarankan pendengar pemula dari "konser pemuda" klasik Leonard Bernstein, yang ditayangkan di CBS dan sekarang tersedia di YouTube.
Latihan Persepsi
Selain memilih karya yang cocok untuk pemula, ada baiknya menjelaskan cara mendengarkannya. Jadi bagi kebanyakan orang, yang disebut Persepsi musik “focal”, ketika pendengar berkonsentrasi pada bagian-bagian dari satu instrumen atau sekelompok instrumen yang memainkan topik secara serempak, bagian-bagian lainnya tetap sepenuhnya berada di pinggiran dan berfungsi sebagai semacam latar belakang yang tidak dirasakan dengan benar.
Diketahui bahwa kesadaran pendengar yang tidak siap biasanya dapat bertahan lama dalam fokus relatif tiga, maksimal 4 instrumen, sisanya tetap pada pinggiran persepsi. Jika Anda mendengarkan semacam melodi kematian atau garis, maka kemampuan seperti itu cukup, tetapi mereka menjadi lebih sedikit untuk kuintet string akademis yang layak, belum lagi orkestra simfoni lengkap.
Orang-orang dengan persepsi yang berkembang, sering pecinta musik dan musisi, berhasil berkonsentrasi dalam kelompok delapan hingga sepuluh instrumen yang secara bersamaan berbunyi dalam rentang frekuensi yang berbeda, sementara monolit lain dari karya simfonik tidak keluar dari fokus persepsi. Berkat kemampuan ini, Anda dapat mendengar simfoni secara keseluruhan.
Komponis simfoni dan konduktor yang cerdik memiliki fitur yang lebih menarik, mereka dapat berkonsentrasi pada seluruh pekerjaan dengan segera dan kapan saja mereka mendengar setiap nuansa dan setiap fitur dari masing-masing instrumen dalam orkestra. Kemampuan persepsi musikal ini adalah hasil dari bakat bawaan yang langka, atau hasil dari pelatihan intensif selama bertahun-tahun.
Pelatihan semacam itu juga dapat membantu pendengar, yang penting untuk mendengar karya itu sebagaimana sang komposer mendengarnya. Saya mengembangkan kemampuan untuk memiliki persepsi lengkap tentang musik dengan latihan berikut:
Saya berkonsentrasi pada satu instrumen, dan kemudian secara bergantian menambahkan beberapa ke dalamnya, mencoba untuk tetap dalam fokus persepsi selama mungkin.
Setelah hanya satu bulan pelajaran dua jam setiap hari, saya bisa tetap fokus pada biola solo, tanduk Prancis, tanduk basset dan beberapa cello. Setahun kemudian, saya mendengar bagian yang mengesankan dari instrumen orkestra simfoni dan kadang-kadang saya bahkan bisa melihat tiang dari beberapa musisi dengan nada disonan ceroboh.
Ada juga pelatihan persepsi yang dibangun di atas prinsip sebaliknya. Baginya, perlu untuk menguraikan susunan musik yang ada menjadi komponen instrumental selama mendengarkan dan berkonsentrasi pada bagian-bagian instrumen individu. Penting untuk fokus pada instrumen ini dari awal hingga akhir pekerjaan.
Dari pengalaman pribadi saya, saya dapat merekomendasikan untuk tidak membebani klasik dan mendengarkan genre lain antara latihan "integrasi", motif elektronik sengaja brutal dan primitif dari proyek slide dari 25/17 peserta, tim ICE-9, banyak membantu saya. Dalam hal ini, mereka juga baik karena transisi dari persepsi abstraksi klasik ke spesifikasi teks sosial yang kaku.
Saya juga membaca tentang latihan perkembangan untuk musisi dan konduktor (yaitu, bagi mereka yang “membaca dari lembaran”). Dalam latihan seperti itu untuk pengembangan memori musik dan persepsi holistik, direkomendasikan untuk mempelajari skor secara paralel dengan mendengarkan rekaman, setelah itu, tanpa menyalakan musik dan hanya melihat lembar, menciptakan kembali bagian-bagian individu dalam pikiran instrumen, menyajikan setiap not, dan kemudian memainkan 2 bagian dalam pikiran , 3, 4, dll. alat.
Peralatan
Saya harus segera mengatakan bahwa saya bukan fanatik kuat untuk konsep peralatan genre. Menurut pendapat saya, kesetiaan reproduksi adalah konsep universal dan orang dapat berbicara tentang genre hanya dalam kasus-kasus ketika datang ke nuansa yang cukup halus.
Dari sudut pandang teknis, sistem reproduksi suara apa pun (kami tidak memperhitungkan teknologi canggih "sengit") adalah semacam kompromi yang memungkinkan Anda mencapai beberapa keuntungan dengan mengorbankan orang lain. Dan "genre" terkenal itu, menurut pendapat saya, dapat dianggap semata-mata sebagai studi kompromi dari fitur teknis yang terkait dengan reproduksi genre tertentu, tetapi tidak sebagai konsep teknis yang sepenuhnya "disesuaikan" dengan, misalnya, karya paduan suara.
Prinsip umumBeberapa audiophiles sering mendengar cerita tentang lampu, itu seharusnya untuk jazz dan klasik, meskipun tingkat harmonik dan distorsi intermodulasi bahkan lebih tinggi dalam teknologi lampu modern dan, oleh karena itu, "kabur" suara dijamin. Penilaian yang agak beralasan adalah tentang genre penutur ketika mereka mengatakan bahwa penutur broadband langka dalam kotak tertutup lebih cocok untuk klasik simfonik. Dengan demikian, mereka mencoba untuk menyingkirkan filter yang memutar fase, dan juga membawa distorsi tambahan yang terkait dengan inverter fase.
Ideal untuk musik klasik akan menjadi yang paling "jujur" dalam hal komponen pemutaran. Untuk telinga yang sangat berpengalaman dan terlatih, bahkan sumbernya (yang dalam kasus lain praktis tidak mempengaruhi parameter yang dapat didengar) mungkin penting, mis. klasik paduan suara dan simfonik adalah kasus di mana "hi-res penting". Saya akan tetap diam diam tentang kabel, pecinta Laces of Lace dapat mengekspresikan pendapat mereka tentang mana dan bagaimana "gantungan" hangat melakukan lebih baik dengan klasik di komentar.
KeuntunganAmplifikasi tidak akan menentukan kualitas hasil, tetapi kenyataannya adalah bahwa penguat harus baik. Mayoritas ahli UMHCH merekomendasikan sistem yang beroperasi di kelas A, AB, dan B. Saya pribadi tidak akan merekomendasikan kelas tertentu karena pembahasan masalah ini. Saya hanya bisa mengatakan bahwa hal utama adalah distorsi (semakin rendah harmonik dan IMD, semakin baik), kecepatan respons dari penguat operasional juga penting. Dari solusi tanpa kompromi sering merekomendasikan amplifikasi terisolasi saluran stereo, yang disebut dual mono. Secara alami, kerugian dari keputusan semacam itu adalah biaya.
ACYang paling sulit adalah pilihan speaker. Di sini Anda dapat mengeluarkan banyak uang dan tidak mendapatkan hasil yang diinginkan. Jika di zaman kita Anda dapat menemukan sesuatu dalam kotak tertutup yang Anda mampu dan tanpa refleks bass, serta dengan respons frekuensi, respons fase, dan distorsi yang dapat diterima, maka dengan probabilitas tinggi sistem ini akan memberi Anda tingkat kesetiaan reproduksi yang diperlukan. Dengan sengaja mencari opsi pita lebar audiophile adalah tugas yang sulit, tanpa rasa terima kasih dan tidak mungkin menghasilkan hasil yang diinginkan - karena jika tidak ada masalah dengan filter, mereka akan timbul dengan distorsi frekuensi dan harmonik.
Pilihan ideal untuk klasik, saya pikir, adalah speaker elektrostatik. Jika Anda memiliki kesempatan untuk membelinya dan Anda berencana untuk serius mendengarkan klasik - jangan menarik terlalu banyak. Tetapi, sebagai suatu peraturan, masalah biaya muncul. Omong-omong, elektrostat lebih sering diproduksi dalam bentuk gabungan, yang memungkinkan untuk memperkuat yang rendah menggunakan bagian fase-inverter dinamis. Alternatif yang lebih murah untuk elektrostat adalah opsi isodynamic (yang disebut planar, dari planar magnetic), tetapi bagi sebagian besar mereka juga mahal.
Bagi mereka yang tidak siap memberikan jutaan untuk solusi tanpa kompromi, tetapi menginginkan suara "jujur", masuk akal untuk memperhatikan akustik monitor. Di antara favorit pribadi saya adalah
JBL LSR308 , Dynaudio LYD-5, Focal Shape 40 dan
Adam Audio T7V yang aktif. Saya ingin mencatat bahwa perangkat ini dibuat untuk penggunaan profesional, yaitu, mereka tidak akan memberikan barang dalam bentuk integrasi multi-ruangan, terutama kontrol dan pergantian yang mudah, tetapi pada saat yang sama mereka memiliki parameter universal dan cukup cocok untuk mendengarkan orkestra simfoni atau paduan suara yang besar.
Aspek penting adalah penciptaan panorama stereo yang realistis, yaitu lokasi sumber suara yang jelas (KIZ), yang untuk audiophiles disebut "adegan". Menjadi konser reguler yang teratur, Anda dapat dengan mudah menentukan di mana instrumen tertentu harus berada dalam "adegan". Jika Anda tidak sering mengunjungi philharmonic terdekat, maka skema di bawah ini akan membantu Anda.
Pola arah, fitur panorama (lebar, kedalaman, kejelasan, dan akurasi lokalisasi KIZ), serta distorsi intermodulasi - ini adalah parameter yang sulit diidentifikasi dengan metode perangkat keras dan harus dinilai secara subyektif. Untuk distorsi intermodulasi, treble paduan suara wanita atau anak-anak sangat cocok - kontaminasi terdengar dengan telinga "telanjang". Fitur subjektif lainnya harus diperiksa di showroom yang dibuat dengan baik, di mana akustik ruangan mengurangi pengaruh pantulan pertama dan resonansi ruang nyasar.
Ringkasan
Menggunakan atau tidak menggunakan rekomendasi untuk pelatihan persepsi dan pemilihan peralatan adalah urusan pribadi setiap orang. Hal penting lainnya adalah bahwa musik klasik harus didengarkan, karena analisis dan studi tentang musik akademis memberikan dasar untuk memahami sisanya, dan dalam kasus musisi dan komposer, dorongan untuk menciptakan sesuatu yang baru.
JeansDalam
katalog kami
ada banyak
pengeras suara , amplifier dan peralatan audio lainnya yang berkualitas tinggi.
Secara tradisional, saya sarankan berpartisipasi dalam survei di bawah ini.