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Música eletrônica ao vivo: como os músicos eletrônicos apresentam suas performances



Foto de JD Hancock / CC

Com a invenção das primeiras gravações de áudio do século 19, as pessoas tiveram a oportunidade de apreciar suas músicas favoritas em casa. Sons ao vivo de guitarras, bateria e outros instrumentos - tudo isso se tornou disponível em casa.

Mas, no processo de desenvolvimento da tecnologia em meados do século XX, o conceito de música ao vivo mudou. Produtores conhecidos começaram a gravar seus álbuns em estúdios, e não ao vivo, como era antes. Em condições de estúdio, os músicos tiveram a oportunidade de usar esses sons nas gravações que dificilmente poderiam ter sido reproduzidos em uma performance ao vivo.

Como resultado do desenvolvimento, novos gêneros, idéias e maneiras de fornecer material musical para o ouvinte apareceram. Além disso, a música eletrônica deixou de ser "estranha" para os amantes da música, agora muitos a associam à performance ao vivo. No entanto, nem todo mundo está "no tempo" por trás das inovações tecnológicas. Alguém agora, vendo um músico que está "pegando" em seu laptop, fica surpreso: "O que ele está fazendo lá?" Verifica o correio? Ou algo realmente está fazendo com a música que eu ouço? ”

É mais fácil descobrir sobre a performance ao vivo no gênero de música eletrônica dos próprios músicos eletrônicos. O inglês Robin “Scanner” Rimbaud, o francês Xavier “debruit” Thomas, o alemão Boris “Comfort Fit” Mezga e um trio de Nova York “Archie Pelago” - artistas que não apenas escrevem música eletrônica, mas também (principalmente) se apresentam ao vivoeles chamam a principal característica de uma performance ao vivo sua imprevisibilidade - ao contrário de um set de DJ comum, onde um músico tem uma certa sequência de músicas preparadas.

Durante uma performance ao vivo, tudo pode acontecer. Por exemplo, o equipamento pode falhar ou o próprio artista pode cometer um erro. Ou não permitir, mas começar a improvisar e criar uma atmosfera completamente diferente de seu discurso. Mais de 50 categorias na seção Áudio profissional





Em geral, os conceitos de improvisação e música eletrônica são inseparáveis. Todos os principais processos preparatórios ocorrem no estúdio, para que o músico não tenha restrições significativas à improvisação na apresentação. Obviamente, existe algum tipo de plano que eles tentarão aderir, mas dentro da estrutura desse plano há total liberdade. Vale a pena notar o fato de que os músicos estão preparando material separado para uma performance ao vivo. É significativamente diferente do que pode ser ouvido em seus álbuns de estúdio.

Para imaginar a aparência desse material, você pode tomar como exemplo qualquer faixa - para a criação, via de regra, de um grande número de instrumentos e sons diferentes. O formato da performance ao vivo pressupõe que todos esses sons e instrumentos sejam separados: o músico pode usar um ou outro elemento ou fragmento da gravação independentemente do outro, o que garante a possibilidade de improvisação no palco.

As ferramentas


Além do material preparado, no arsenal de cada músico há efeitos no console de mixagem, preparado especialmente pelo artista para uma música específica. Usando-os, você pode, por exemplo, remover todas as frequências ou adicionar ruído. Não se esqueça das ferramentas - samplers, controladores e inúmeras outras. Usando-os, você pode alterar completamente a faixa que está sendo reproduzida.

Existem muitas variações de ferramentas no mundo moderno. Todos eles parecem diferentes, desempenham funções diferentes e todos precisam de uma abordagem especial. Algumas ferramentas possuem muitos botões, outras possuem elementos móveis, enquanto outras não possuem um nem outro. Um exemplo marcante deste último é uma ferramenta desenvolvida em 2003 por graduados da Universidade de Pompeu Fabra - Reatível. É uma grande mesa redonda com uma superfície de toque iluminada por baixo.

Várias figuras podem ser colocadas sobre a mesa e, mudando sua posição, você pode alterar o sinal de saída. Devido ao fato de a superfície da mesa ser grande o suficiente, várias pessoas podem tocar neste instrumento simultaneamente. Os desenvolvedores também argumentam que aprender a jogar não é difícil. Por tentativa e erro, você pode entender como tudo funciona e pelo qual todos os blocos são responsáveis. Reactable é um sintetizador regular com um design incomum.



Foto de Luís Leão / CC

O instrumento ganhou popularidade após ser notado pelo cantor islandês Björk. Ela decidiu usá-lo em suas performances e, em 2007, no festival Coachella, onde se apresentou como parte de sua turnê em apoio ao álbum lançado pouco antes disso, o instrumento foi apresentado ao público em geral.

Além da própria tabela, a ferramenta usa blocos especiais. Existem seis tipos no total, e todos eles têm formas e tamanhos diferentes. Todos são responsáveis ​​por determinadas funções. O som de saída dependerá de como esses blocos são colocados na mesa. Alterando sua localização, você pode, por exemplo, alterar a frequência do sinal ou o grau em que os filtros são usados.

Sob a superfície da mesa, há um computador com software especialmente projetado (reatTIVision), que executa todas as operações de computação da ferramenta. Você pode assistir e ouvir este instrumento no trabalho aqui e ler sobre outros instrumentos musicais interessantes neste portal.

Outro instrumento que é frequentemente usado por músicos em apresentações é o controlador Ableton, que permite "coletar" uma composição de um conjunto de fragmentos prontos e improvisar no âmbito da performance, e sua versão aprimorada, Ableton Push 2.

O músico e jornalista Peter Kirn fala sobre ele em seu artigo. . Isso não quer dizer que o Ableton Push 2 tenha sofrido pequenas alterações. Externamente, ele lembra muito seu irmão mais velho, mas nesse modelo, os desenvolvedores prestaram mais atenção aos detalhes. As teclas do teclado agora estão mais profundas e, consequentemente, seu curso também mudou. Agora eles respondem ao ângulo e grau de depressão.

A estrutura principal tornou-se um pouco maior em tamanho e ganhou peso significativo - isso nos permite avaliar a qualidade dos materiais utilizados. Os desenvolvedores conduziram pesquisas suficientes para analisar o uso de controladores por músicos e, como resultado, eles selecionaram uma posição adequada para todas as teclas. O controlador agora está revestido com abrasão especial e material resistente a arranhões.

Peter enfatiza: “Você experimenta impressões diferentes do novo modelo e, é claro, brincar com ele se tornou muito mais agradável. Agora, menos tempo pode ser dedicado à tela do monitor e mais músicas.

O controlador exibe todas as informações necessárias e você pode acessar as pastas necessárias diretamente do dispositivo. Não há necessidade de ligar o computador e pegar o mouse. Através do botão Navegador no controlador, você pode acessar todos os arquivos e configurações necessários. ”



Fotografia de Iwan Gabovitch / CC O

amostrador Simpler também foi redesenhado. O acesso a ele se tornou muito mais conveniente, e novos modos facilitam bastante o processo. O sampler ainda possui os modos clássicos (o som é reproduzido até que a tecla seja liberada), mas surgiram novos.

Ao amostrar no modo de uma foto, o som continuará até o arquivo terminar. E no novo modo de "fatiar" de amostras (modo de fatiar), o dispositivo destacará os pontos principais de todo o arquivo de áudio e atribuirá cada um a um dos 64 blocos. Em cada modo, você pode alterar o tom de todas as amostras para obter o som desejado.

A opinião de outro especialista em música pode ser ouvida neste vídeo , onde ele contará e demonstrará as vantagens do novo controlador da Ableton.

Outro instrumento “funcional” de um músico eletrônico que eu gostaria de chamar a atenção é o Linnstrument (nós já conversamos sobre isso em detalhes em um de nossos materiais ). Esta ferramenta é desenvolvida pelo "pai fundador" de todos os controladores modernos Roger Lynn. Foi sob sua liderança que surgiram lendárias baterias de bateria como o MPC60 e o MPC3000. O Linnstrument é um controlador com 200 blocos, cada um dos quais, de acordo com o grau de depressão, determina o tom e o timbre do som.



Foto de Thomas Bonte / CC

Este instrumento é conveniente para tocar com as duas mãos, e clipes especiais nas bordas do dispositivo permitem que você prenda o cinto e toque nele em pé. O principal objetivo no desenvolvimento deste dispositivo, Roger estabeleceu para si o retorno da musicalidade e da melodia à cena eletrônica.

O boom causado pelas baterias eletrônicas mudou drasticamente a idéia da música, e o uso de loops (a técnica de enrolar um fragmento musical) e amostras, segundo Lynn, "mata completamente o conceito de música". Roger espera que o Linnstrument permita que a música moderna encontre um novo som, e os músicos improvisem mais e trabalhem com um som "ao vivo".

E neste vídeo, você pode ouvir os comentários de Roger sobre sua invenção.

Voltando à opinião dos músicos: todos concordam que você não deve andar de bicicleta em nenhum instrumento. A cada ano, o número de novos produtos aumenta e suas capacidades se expandem imensamente. Scanner e Comfort Fit, especialmente como o elemento "não confiabilidade" em novas ferramentas.

Esse é um tipo de garantia de que, se o equipamento falhar repentinamente, o desempenho não precisará ser interrompido, mas você precisará improvisar. Mas o principal para os músicos continua sendo a não novidade tecnológica ou "enganada", mas a usabilidade banal - em um nível básico, o instrumento não deve ter pelo menos atrasos na transmissão do sinal.

Dificuldades de percepção


Como já mencionado acima, nem todo mundo entende o que uma pessoa "escolhendo" em seu laptop está fazendo em uma apresentação. Vendo uma enorme quantidade de objetos incompreensíveis, o espectador tenta entender o que está acontecendo no palco. Infelizmente, raramente você pode descobrir por conta própria, então existe uma espécie de "barreira" entre o músico e o ouvinte.

Para todos os músicos, o problema da barreira é fundamental ao interagir com o público. E todo mundo está tentando lutar à sua maneira. Por exemplo, a Comfort Fit começou a implantar seus controladores voltados para o público. Ele fez isso, principalmente com o objetivo de ergonomia - com um jogo longo, suas mãos se cansaram, mas mudar a localização do equipamento resolveu esse problema. E, milagrosamente, esse arranjo de controladores começou a atrair mais pessoas - eles viram o que o músico estava fazendo e começaram a subir ao palco.

“Tais ações realmente ajudam as pessoas a entender como tudo acontece. Se eu parar de tocar, a música para de tocar ”
- Comfort Fit

“Eu sempre tento de alguma forma chamar as pessoas da minha mesa. Não é necessário pular ou de alguma forma atrair atenção. É o suficiente para mostrar que sou uma pessoa, não um tipo de robô ".
- Scanner

Debruit abordou esse problema ainda mais radicalmente. A principal barreira no palco sempre foi considerada um laptop. O músico constantemente olha para ele, e parte da platéia vê apenas a ponta da cabeça do artista. Então, Xavier excluiu esse elemento em particular (figurativamente).

A tela do laptop está desligada, para que o músico não se distraia. O próprio Xavier nunca pensou que seria capaz de memorizar suas músicas, porque a quantidade de informações em cada faixa era enorme. Agora, o músico é guiado pela cor das almofadas em seu controle.

“Mas, antes de tudo, o papel principal é desempenhado pela música, não por sua apresentação. O ouvinte deve estar imerso nele e entender os recursos de uma performance ao vivo. ”
- Debruit

Parece que uma vez no palco existem tantas coisas incompreensíveis e interessantes, por que não mostrar ao espectador o que o músico vê? Ou seja - a tela do seu laptop, porque é lá que o artista (se você não levar em conta Debruit) assiste a maior parte de toda a performance.

No entanto, os músicos reagem a essa solução para esse problema sem muita aprovação. Todos eles concordam em uma coisa: para usar esse elemento visual, você precisa de uma atmosfera e atmosfera adequadas.

O trio Archie Pelago mostrou sua tela em palestras na universidade, onde os artistas falavam sobre a teoria de escrever música eletrônica. Nessa situação, a demonstração da tela é útil. Em outros casos, as pessoas pensam em algo completamente diferente, tentando se concentrar em demonstrar a tela. E o mais importante, eles vão parar de apreciar a música.

“Para pessoas que não estão familiarizadas com o programa em que a música é escrita, o processo pode parecer bastante estranho. Eles começarão a descobrir o que e como isso funciona, mas no final eles provavelmente ficarão confusos, sem entender a lógica do que está acontecendo ”
- Archie Dan

Curiosamente, os artistas chamam de um diálogo simples a solução mais eficaz para quebrar a barreira entre o músico e o público. Todos os músicos, de um jeito ou de outro, tentam se comunicar com o público, de alguma forma, interagir com ele.

Além de pequenas conversas durante a apresentação, alguns músicos também mantêm a comunicação após a festa ou em reuniões especialmente designadas para isso, onde as pessoas podem fazer perguntas de seu interesse. Essa conexão é benéfica para todos - o músico entende o que os fãs não têm e a melhor forma de apresentar esse ou aquele material, e o ouvinte é esclarecido e aprende algo novo para si mesmo.

“Para o ouvinte, parece-me que é importante entender o que ele receberá. Quando você paga dinheiro, esperando conseguir um e mais alguma coisa, a situação não é a melhor. Na minha opinião, quanto mais o ouvinte estiver ciente [sobre os recursos da música eletrônica], mais confortável ele se sentirá [em um show] ”
- Archie Greg


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