Hardcore e sua tecnologia

O protagonista é reanimado nas instalações do laboratório de ficção científica. Na tela, um animatronics caro cria a ilusão de que uma pessoa é montada em partes. O personagem não se lembra de nada, mas a beleza que o traz à vida parece ser sua esposa. Isto é seguido por seu seqüestro, demonstração de personagens negativos, estabelecimento de metas e uma série de cenas sangrentas com uma grande quantidade de violência.

Em princípio, tal coisa poderia muito bem ter sido um filme de ação do final dos anos 80, devido à autoria de Paul Verhoeven . Os Cyborgs estavam no Robocop , perderam memórias no Recall All" A única diferença com o Hardcore é que tudo acontece do ponto de vista do protagonista. Todos os saltos, tacadas e tiroteios olham na tela como se o espectador estivesse olhando através dos olhos do personagem principal e agindo com as mãos.

Uma câmera cinematográfica é um dispositivo caro e frágil. O habitual na cabeça de uma pessoa é impossível de consertar, e no filme o peito, as pernas e os braços do personagem são visíveis. A solução para o problema é óbvia para pessoas familiarizadas com o mercado de câmeras de ação.



A história deste formato de câmera começa por volta dos anos sessenta. Naqueles anos distantes, a televisão já existia e estava se desenvolvendo ativamente. Transferir Ripcord falou sobre naquele tempo, uma nova forma de esportes radicais - pára-quedismo. Ao fotografar com as mãos, tremi desnecessariamente e a câmera ficou no caminho. Para remover o pára-quedismo processo, um dos participantes de programas de TV - Robert Sinclair, garantiu no capacete câmara de 35 mm. A decisão lógica: ao pular, a cabeça permaneceu a parte mais estável do corpo. Provavelmente Sinclair pode ser considerado o primeiro a criar um formato de câmera de ação.


Sinclair com uma de suas câmeras.

Piloto de Fórmula 1 Jackie StewartTentei montar câmeras e câmeras no meu capacete. Na foto abaixo, ela é capturada com um equipamento especial, que consiste na própria câmera e na bateria.



Nas décadas seguintes, as câmeras de ação continuaram assim: soluções caras, na maioria das vezes únicas, pesadas, raras. Pior de tudo, eles eram análogos - você não podia deixar um filme ao vivo com essa câmera. Em 1986, a câmera de ação Canon Ci-10 com sinal de rádio foi usada pela primeira vez para transmissão na televisão ao vivo. Em 1991, a primeira oportunidade apareceu para transmitir esportes de equipe do ponto de vista do jogador. O capacete custou 200 mil dólares e continha tudo: uma antena, uma câmera e uma bateria.



Nos anos 90, as tecnologias das câmeras digitais se desenvolveram e, nos anos zero, elas substituíram o filme, mesmo em dispositivos de baixo custo. Por volta do meio dos dois milésimos, a GoPro aparece. Ela ainda não pode ser uma heroína: alguns protótipos e o formato de uma câmera de pulso estão disponíveis. O fundador e chefe da GoPro, Nick Woodman , foto de um dos primeiros protótipos que deveria ser tirado durante a navegação. A primeira GoPro foi um filme. Ela conseguiu tirar fotos em um filme de 35 mm, foi encerrada em uma caixa estanque e montada no pulso. As vendas começaram em 2005. O GoPro Hero Digital digital podia gravar 10 segundos de vídeo com uma resolução de 320 × 240 a 10 quadros por segundo sem som a 32 megabytes de memória interna, não havia slot para cartão de memória.

Mask

Mas voltando ao filme. Em 2007, o traçador Sergei Valyaev teve a idéia de filmar na primeira pessoa. Um ano depois, ele montou um sistema primitivo para isso. Ele prendeu uma câmera de vigilância por vídeo no boné e jogou os fios na mochila. O Archos Signal Converter converteu um sinal analógico em uma imagem digital de baixa qualidade em 480 linhas entrelaçadas. Mais tarde, houve capacetes de motocicleta e outras experiências, mas mesmo assim havia um entendimento de que a câmera não deveria ser montada na testa, mas na boca. A partir da mandíbula, captura o peito, os braços e as pernas, e da testa na estrutura há muito pouco corpo.

Um pouco mais tarde, Ilya Naishuller, líder do grupo musical Biting Elbows, emprestou sua GoPro a Valyaev. Depois de assistir as filmagens feitas pelo parker, Naishuller sugeriu fazer um clipe para o seu grupo.


Para filmar, compramos uma máscara de airsoft Predator, cortamos elementos desnecessários, fizemos cortes no rosto e fixamos a câmera na boca. Então, em 2011, conseguimos um clipe para a música The Stampede.



Em 2013, foi lançado o segundo clipe de Bad Motherfucker. O vídeo é semelhante, mas o nível de trabalho é diferente: existem truques e efeitos pirotécnicos realizados profissionalmente por dublês, há uma violência perceptível. Embora o nível de produção já tenha sido maior, a pesquisa foi realizada na mesma máscara, sem qualquer estabilização.


Timur Bekmambetov ficou interessado no Naishuller, que postou no Facebook o diretor do vídeo no mesmo dia após o lançamento de Bad Motherfucker. Bekmambetov sugeriu a criação de um filme completo e expressou o desejo de participar de sua criação como produtor. Não imediatamente, mas Naishuller concordou: ele temia não conseguir manter o ritmo do videoclipe de cinco minutos por 90 minutos. Enquanto alguém duvidava e procurava idéias para a imagem futura, Valyaev lentamente criou uma montagem profissional para a GoPro gravar esses vídeos. Como se viu, simplesmente não havia esse kit para o corpo no mundo.

Os estágios iniciais do trabalho no Hardcore são amplamente experimentais. Isso também afetou a máscara. Foram necessárias várias iterações para chegar à sua forma final. Eles se livraram da máscara original, porque o operador estava suando e não havia lugar para equipamentos adicionais. O filme usa 4-5 tipos de máscaras.

Era necessária estabilização para evitar agitação constante. Manter a câmera na boca é constantemente impossível - você não poderá se comunicar com os membros da equipe de filmagem, a saliva vazará constantemente. Um capacete de motocicleta é uma boa saída, mas não é adequado para fotografar e tem um ângulo de visão baixo. E a máscara deveria caber em uma ampla gama de parâmetros para os objetivos dos operadores.



Às vezes, duas câmeras apareciam na máscara - não pelo efeito 3D, mas para fotografar em diferentes configurações ou para enviar uma foto ao diretor via Wi-Fi. Por conseguinte, possui um roteador Wi-Fi, microfone e energia. Na versão final, há estabilização magnética, que não removeu todas as vibrações, como faria um sistema de nível Steadicam, mas as suavizou. Eles estão tentando vender a versão comercial da máscara com o nome Adventure Mask .



O filme tem um vilão, um parceiro romântico e um personagem que pode ser chamado de aliado. O papel deste último é quase o único ator do filme. Temendo rejeição, Naishuller convidou Charlto Copley para esse papel, mas o ator concordou.

Você pode listar as qualidades pessoais do ator ou as razões para escolher Copley. Mas existem alguns detalhes técnicos. Sharlto havia trabalhado em cenas tecnicamente complexas: no "Distrito 9", ele já estava enfrentando a necessidade de jogar contra uma cena na qual gráficos de computador seriam adicionados posteriormente.




Esse problema foi totalmente divulgado ao trabalhar com um ator usando uma máscara com duas câmeras. Uma das câmeras está destacada, é preciso olhar para ela. Mas instintivamente, os olhos do ator são confusos. No segundo dia de filmagem, óculos opacos apareceram na cabeça de Valyaev para esconder olhos de verdade.

Gráficos

Não há caso em que eles tornam algo impossível e, em seguida, apenas adicionam as mãos do personagem principal. Quase tudo o que acontece na tela é relativamente real e filmado no GoPro Hero 3. No entanto, não basta apenas conectar a câmera a dublês. Foram necessárias muitas melhorias gráficas e o trabalho de vários estúdios para que a imagem obtivesse a aparência final. E o processo estava longe de apenas remover os cabos do seguro.

Além das inúmeras exclusões de sombras desnecessárias próximas à cabeça do protagonista, algumas cenas ainda exigiam uma intervenção significativa da computação gráfica. É uma queda de um balão em uma cápsula de resgate, que é impossível remover de outra maneira - a vida da atriz no cenário não pode ser sacrificada e, para um dublê, seria muito arriscado. Cápsulaabandonou o Studio Division usando o pacote de software Blender.



A queda consiste em duas partes: antes das nuvens e depois. Fragment do é um lindo céu azul e nuvens brancas nas quais a cápsula mergulha.



Para não se aborrecer, efeitos de turbulência são observados nas nuvens. Depois deles, o outono começa na estrada de Moscou. O céu para esta parte foi filmado usando fotografia panorâmica com seis GoPro em um octocóptero.



Como a Torre da Federação é mais alta do que onde o octacóptero pode subir, o estúdio recorreu ao mapeamento de câmeras.


O Boston Zero VFX trabalhou de perto na cena da perseguição, que consiste em perseguir, destruir quatro vagões, explosões e uma linha destrutiva de minigun (armas Gatling). Normalmente, os estúdios para reproduzir objetos são fornecidos com digitalizações de objetos ou fotografias tiradas. Mas, neste caso, nada disso foi fornecido. Na cena em que os personagens alcançam a carreata e a vêem de longe, as vans foram recriadas do zero e colocadas na estrada.

Outro problema foi a grave distorção da câmera. Somente os dados da GoPro eram um obstáculo: as lentes da câmera fornecem uma lente olho de peixe. Na maioria das vezes, você precisa acompanhar uma versão sem distorção para criar uma câmera virtual. Nesse caso, tivemos que distribuir volumes de distorção ao pacote de rastreamento para que ele pudesse suavizar a imagem para o trabalho. Em seguida, os objetos foram renderizados e as distorções retornaram ao seu lugar. Nesse caso, era necessário garantir que nenhum erro aparecesse em qualquer lugar.




A cena inicial da perseguição estava cheia de explosões, partes e tiros poderosos. Houve muito dano extra e sangue. As duas principais explosões de vagões começaram rolando sobre carros reais na estrada, sem efeitos pirotécnicos. Durante o vôo, eles foram cercados por uma chama de explosão e dano. O gráfico já coberto de polígonos cai no chão. Após as explosões, eles se tornam modelos.




Em outro momento, a tecnologia digital está substituindo uma van já danificada por uma van intocada. Como resultado, no filme ele luta com lesões espetaculares, embora já tenha sido espancado. Para a cena com a passagem pela van, foi necessária uma combinação do interior real do veículo, sua renderização e acrobacias digitais. Além disso, o estúdio estava envolvido na colagem: em um momento separado, foi necessário combinar dois quadros, onde a cabeça de Henry olha em duas direções opostas. Dois quadros com uma diferença de 180 ° foram combinados na ilusão de virar a cabeça.




No total, o fragmento herdado pelo estúdio consiste em quase 45 quadros reunidos.


O Studio VFX Legion trabalhou em várias cenas ao mesmo tempo. O problema de distorção da GoPro foi resolvido da mesma maneira: a imagem foi corrigida para o estado de uma estrela de quatro pontas, os efeitos desejados foram adicionados e depois distorcidos novamente em um retângulo. Por exemplo, esta é uma queda falha de um balão, no qual vários outros estúdios se recusaram a trabalhar devido à sua complexidade. A propósito, a Legião VFX determinou a aparência de um laboratório voador. Ela foi pintada em Maya e texturizada em Substance Painter. A renderização foi realizada no pacote RedShift.



Para sobrepor fragmentos no estúdio, use o Adobe After Effects. O rosto de um dublê em chamas estava coberto de chamas, apareceram fotos nos monitores e, em alguns lugares, sangue e fumaça foram adicionados. É especialmente interessante que a colisão e a morte do primeiro Jimmy sejam coladas com três GoPro, onde o verdadeiro Charlto é substituído por uma boneca.



Um robô de brinquedo esmagado contra uma parede é o artefato de infância favorito de Naishuller. Ele existe em uma cópia e a questão da destruição das memórias de infância do diretor não foi levantada. A cópia 3D foi quebrada durante as filmagens; portanto, na tela, o brinquedo é quebrado por gráficos de computador.


A Mammal Studios resolveu o problema de distorção da câmera GoPro com o 3DEqualizer e o Nuke. Este estúdio criou uma cena com um rifle sniper. A mira exibe corretamente a imagem ampliada, seu espaço ao redor fica embaçado e se move corretamente.



Em uma cena, um lança-chamas em um traje espelhado ataca Henry. Henry evita um jato de fogo. Ferir Jimmy, que abre fogo. Henry derruba o lança-chamas e pega sua arma. O lança-chamas continua a cuspir uma corrente de fogo, reflexões sobre o traje espelhado do adversário estão funcionando. Tudo isso acontece em uma cena, sem transições.



Os estúdios tiveram que resolver o problema dos dados de origem. Na internet, eles encontraram fotografias do prédio da Academia Russa de Ciências, onde ocorreu o tiroteio. Portanto, foi possível estimar o tamanho da janela e das colunas no palco. Geometria bruta foi desenvolvida, as dimensões da cena futura foram indicadas. Objetos desnecessários foram removidos para posterior trabalho. Uma simulação de incêndio foi criada em Maya e renderizada em Phoenix. No quadro adicionado fogo, fumaça, tiros.

A cena final foi filmada em um pavilhão coberto de matéria escura. Em algumas semanas, o cenário foi gradualmente destruído e inundado, e cyborgs foram mortos um a um. No estúdio russo CGF , a matéria negra foi puxada de um arranha-céu sobre a vista de Moscou.


Demonstração de efeitos visuais do estúdio CGF

O vídeo inicial dos créditos em si é único e define o tom de todo o filme. Ele foi feito um dos últimos. Um dos críticos elogiou o cronograma avançado de legendas: parecia que as pessoas estavam realmente sendo mutiladas e mortas. Na verdade, essa é uma combinação de muitos bonecos, às vezes o rosto das pessoas com impurezas da computação gráfica.


Edição com fragmentos da visualização e a versão final dos créditos de abertura.

---

Às vezes, diz-se que o enredo deste filme está completamente ausente. O crítico notará mais suavemente que o enredo é uma ocasião para conectar várias cenas bonitas com truques emocionantes. De fato, os críticos de cinema acham difícil adivinhar os reais motivos do que está acontecendo na tela, uma vez que este é um representante de um gênero diferente: videogames.

Partes do filme são mais convenientemente descritas em termos de um jogo de tiro em primeira pessoa: um tutorial, reaparece de um dos personagens, uma perseguição a um veículo onde controlamos uma enorme arma, uma cena de atirador de elite, uma verdadeira missão de escoltae a luta final contra o chefe. Até o final do filme é uma humilhação multiplayer de GG EZ (bom jogo, foi fácil derrotar você; bom jogo, foi fácil derrotar você), que Henry coloca com o dedo. Bem, exceto sem GG - caso contrário, tudo seria muito óbvio. Para um jogo de tiro em primeira pessoa no filme, existem muitas reviravoltas na história. "Hardcore" é uma ode executada com muita competência ao gênero de atiradores de corredor.

Nas descrições de filmes, artistas, especialistas em maquiagem e cinegrafistas costumam usar a palavra "simplicidade": soluções simples e óbvias funcionam na GoPro. Cores simples, transplante várias vezes aprimorado com sangue falso, imagens nítidas. Não é de surpreender que o enredo tenha sido simples. Não faz sentido culpar a virada esperada da história no final de pouco interesse.

O mais inspirador do filme não é seu enredo. Quase tudo foi alugado não por equipamentos caros por dezenas de milhares de dólares, mas por câmeras e tecnologias relativamente acessíveis para o consumidor comum. Não são equipamentos especializados caros de grandes fabricantes, mas equipamentos de uma loja de eletrônicos e máscaras feitas no joelho.

Qualquer um pode usar uma câmera de ação e um capacete e tentar repetir alguns minutos com graus variados de sucesso. Provavelmente algo não muito interessante acabará, mas a disponibilidade da tecnologia está aqui. Culpar a existência deste filme é necessária miniaturização de eletrônicos de consumo e o talento de pessoas que conseguiram decifrar o momento certo.



Uma enorme campanha de apoio aguardava o Hardcore Henry nos EUA, muitos conseguiram fazer longas entrevistas com o diretor e ator principal, houve até projetos conjuntos. Um deles era um anúncio para o Alamo Drafthouse Cinema . Formalmente, o vídeo foi filmado por outra pessoa - Blaine Gibson , diretora da Rooster Teeth. Mas o vídeo mostra que Ilya apareceu no set e assumiu o controle das filmagens. Já naquela época, ninguém mais no mundo poderia superá-lo nas filmagens de filmes em primeira pessoa.



Depois de Hardcore, Naishuller fez um videoclipe, mas não para sua banda. Desta vez, ele foi convidado a fazer um vídeo para o popular artista canadense The Weeknd . O próprio canadense entrou em contato com Naishuller - ele gostou do filme que filmou. Em matéria de filmagem, o diretor recebeu total liberdade. O cliente confiou no diretor em muitos assuntos.

Nos primeiros clipes de Biting Elbows, Valyaev colocou uma máscara, para Hardcore ele usava um capacete, no último trabalho que Naishuller realiza em uma grande construção. Esta é uma mochila inteira com um receptor para a câmera, uma máscara e um contrapeso na cabeça.

O próprio Naishuller hoje está mais inclinado a trabalhar nos Estados Unidos. Ele já havia sofrido conflitos suficientes com a polícia russa durante as filmagens de Hardcore. Com parceiros, ele abriu a produção da Versus Pictures e está tentando criar novos produtos para o mercado da Rússia e dos EUA. Há quatro anos, na página pessoal de Vkontakte, Naishuller reuniu amigos e quem quisesse gravar o vídeo Bad Motherfucker. Hoje, essa é a pessoa que melhor no mundo filma no gênero POV.

Source: https://habr.com/ru/post/pt399103/