Como e sobre o que ouvir clássicos: muitas cartas sobre a percepção do treinamento e o gênero do equipamento

Conhecendo minhas paixões, os conhecidos costumam me fazer perguntas sobre como e sobre o que ouvir música clássica corretamente (câmara, sinfônica, ópera etc.), concentrando-se no equipamento. De muitas maneiras, este post será a resposta para eles e, acredito, será útil para aqueles que estão começando a se interessar por clássicos acadêmicos.



Ao mesmo tempo, ao contrário da prática estabelecida, começarei não com equipamentos, mas com as características da percepção. Sabe-se que, ao contrário de outros, a compreensão e a "imersão" em gêneros acadêmicos exigem que os alunos dominem métodos - habilidades especiais na percepção de um trabalho musical. Considerando o problema dessas posições, o problema de hardware se torna secundário, mas também abordarei esse problema.

Quem quer ir imediatamente para a parte técnica e deixar de lado as questões da percepção musical pode simplesmente pular três seções.

Uma tentativa de classificar gêneros acadêmicos de acordo com a complexidade da percepção

Para a grande maioria das pessoas com quem conversei, houve várias gradações de complexidade em gêneros acadêmicos, trabalhos de câmara (composições curtas para composições de câmara - quintetos, quartetos etc., trabalhos para performances solo e em pares) foram mais facilmente percebidos. Isso não é surpreendente devido ao pequeno número de ferramentas e, muitas vezes, a uma estrutura relativamente simples.

Há exceções a essa regra, como as obras de Rachmaninov e as complexas composições polifônicas de Mozart para dois pianos de cauda. Nesses casos, como alguns outros, as possibilidades limitadas da câmara não facilitam o trabalho.



As peças de ópera são consideradas mais difíceis para a percepção. Devido ao fato de que a ópera é uma forma combinada de arte musical e teatral, na qual os atores desempenham papéis principalmente pela voz, é necessário entendimento para entender os meandros de uma obra e avaliar a qualidade do desempenho.



A música de órgão é chamada ainda mais difícil de entender por ouvintes não muito experientes. A avaliação da qualidade das obras e até do vício em fugas, tokats, passacais e prelúdios de órgãos raramente aparece no início de um fascínio pelos clássicos. Um interesse vivo pelo órgão provavelmente pode ser chamado de sinal de um gosto emergente. Os neófitos nos clássicos são muito raros em concertos de órgãos, geralmente há ouvintes experientes, o que em parte confirma a complexidade de tais obras para a grande maioria.



Os trabalhos mais difíceis são considerados clássicos sinfônicos e composições corais polifônicas. Pode-se argumentar sobre o último, mas se aceitarmos o axioma de que a voz humana é o mais complexo dos instrumentos musicais, a lógica dessa abordagem se torna clara.



Essa classificação por complexidade é imperfeita e não leva em conta uma série de exceções significativas, mas, na minha opinião, em geral reflete a realidade.Portanto, uma peça de câmara é comparável em complexidade a algum tipo de balada de rock, com a única diferença de que a primeira, via de regra, é algo mais por último.

Para começar

Entendendo o que é mais fácil de entender e o que é mais difícil, você pode escolher por onde começar a ouvir os clássicos. Além disso, os princípios de "ouvir tudo o que você gosta", "não deixe de ouvir hits" e "ouvir o trabalho por inteiro" são regras úteis no início de uma introdução à tradição musical acadêmica. E se tudo estiver claro com o primeiro (o que você quiser), com os dois princípios a seguir, acho, são necessários alguns esclarecimentos.

Em relação aos sucessos, é importante entender que, apesar de seu hackneyedness, supostamente populismo e onipresença (publicidade, manchetes da mídia, uso de blogueiros e cineastas do YouTube), é mais fácil entender para um ouvinte não treinado. A simplicidade brilhante popularizou a Sonata nº 14 de Beethoven, a 5ª e a 9ª sinfonias de Beethoven, o 24º capricho de Paganini, a toccata e a fuga de Bach no vôo das valquírias de Wagner e nas estações de Vivaldi.

Não tendo estudado essas peças supostamente entediantes, sem ouvi-las através de buracos, sem comparar algumas dúzias de interpretações (de Furtwengler a Karayan), dificilmente faz sentido seguir em frente.

Como exemplo, dou duas interpretações muito distintas da quinta sinfonia de Beethoven, a diferença nas interpretações de Karayan e Tio é imediatamente perceptível :





É claro que existem descobertas musicais pessoais entre composições desconhecidas cobertas pelo pó de uma história musical que tocam a alma de um ouvinte inexperiente, mas isso é mais uma exceção do que uma regra.

Para mim, uma súbita descoberta foi o desconhecido pós-modernista finlandês dos clássicos acadêmicos Erkki Salamenhaar (muito mais tarde soube que ele era um dos supervisores e professores do futurista cult e nerd dos anos 60 Erkki Kureniemi) :



Quanto ao "até o fim", também acho que vale a pena explicar. O fato é que uma quantidade impressionante de música moderna se baseia em um tema principal e dominante, que, desculpe-me pelo carimbo, é um "fio vermelho" em toda a composição, com apenas pequenas alterações e pequenos intervalos para uma parte tão uniforme de refrão. Em trabalhos acadêmicos, isso não é verdade, o principal tema melódico muda várias vezes e em cada um desses segmentos você encontra muitas nuances interessantes, para avaliar a intenção do autor apenas ouvindo a faixa até o fim.

Então, para resumir, a peça ideal para começar uma escuta significativa dos clássicos é mais ou menos assim: um concerto de câmara para um quarteto de cordas, conhecido e de preferência não muito longo, para que você possa ouvir facilmente e entender rapidamente a intenção do autor.

No futuro, depois de ouvir as obras-primas da câmara, você poderá passar para gêneros mais pesados. Ao mesmo tempo, os conhecedores de clássicos também recomendam começar com os hits mais simples possíveis. Para as crianças, o conto sinfônico “Petya e o Lobo”, de Sergei Prokofiev, onde cada instrumento corresponde a um personagem específico, e a composição musical criada pelo compositor facilita a leitura da trama, é universalmente considerada a peça ideal para ingressar na tradição musical acadêmica.



Além disso, muitos aconselham os ouvintes novatos dos “concertos para jovens” dos clássicos de Leonard Bernstein, que foram ao ar na CBS e agora estão disponíveis no YouTube.

Exercícios de Percepção

Além de escolher trabalhos adequados para iniciantes, pode ser útil explicar como ouvi-los. Então, para a maioria das pessoas, o chamado Percepção “focal” da música, quando o ouvinte se concentra na parte de um instrumento ou grupo de instrumentos tocando o tópico de forma síncrona, o restante permanece completamente na periferia e serve como um tipo de fundo que não é percebido adequadamente.

Sabe-se que a consciência de um ouvinte despreparado geralmente pode reter por um longo tempo em um foco relativo três, no máximo 4 instrumentos, o restante permanece na periferia da percepção. Se você ouve algum tipo de morte melódica ou uma linha, essas habilidades são suficientes, mas se tornam menos para um quinteto de cordas acadêmico decente, sem mencionar uma orquestra sinfônica completa.

Pessoas com uma percepção desenvolvida, geralmente amantes e músicos experientes, conseguem se concentrar em grupos de oito a dez instrumentos que tocam simultaneamente em diferentes faixas de frequência, enquanto o resto do monólito do trabalho sinfônico não sai de foco da percepção. Graças a essa capacidade, você pode ouvir a sinfonia como um todo.

Compositores sinfônicos e maestros engenhosos têm uma característica ainda mais interessante, eles são capazes de se concentrar em todo o trabalho imediatamente e a qualquer momento ouvem todas as nuances e características de cada um dos instrumentos da orquestra. Essa capacidade de percepção musical é o resultado de uma rara superdotação inata ou o resultado de muitos anos de treinamento intenso.

Esse treinamento também pode ajudar os ouvintes, para quem é importante ouvir o trabalho como o compositor o ouviu. Desenvolvi a capacidade de ter uma percepção completa de uma peça musical com o seguinte exercício:

Concentrei-me em um instrumento e, em seguida, adicionei vários outros a ele, tentando mantê-los no foco da percepção pelo maior tempo possível.

Depois de apenas um mês de aulas diárias de duas horas, eu conseguia manter o foco em violino solo, trompa francesa, buzina e alguns violoncelos. Um ano depois, ouvi uma parte impressionante dos instrumentos da orquestra sinfônica e, às vezes, podia até notar um batente de algum músico com uma nota dissonante e desleixada.

Há também um treinamento de percepção construído sobre o princípio exatamente oposto. Para ela, é necessário decompor o arranjo musical existente em componentes instrumentais durante a audição e concentrar-se nas partes dos instrumentos individuais. É importante focar neste instrumento do começo ao fim do trabalho.

Pela minha experiência pessoal, recomendo não sobrecarregar os clássicos e ouvir outros gêneros entre os exercícios de “integração”, os motivos eletrônicos deliberadamente brutais e primitivos do projeto de slides dos 25/17 participantes, a equipe do ICE-9, me ajudou muito. Nesse sentido, eles também eram bons devido à transição da percepção de abstrações clássicas para especificações textuais sociais rígidas.

Também li sobre exercícios de desenvolvimento para músicos e maestros (ou seja, para quem “lê de uma folha”). Nesses exercícios para o desenvolvimento da memória musical e da percepção holística, recomenda-se estudar a partitura em paralelo com a escuta da gravação, após o que, sem ligar a música e apenas olhar a partitura, recriar as partes individuais na mente do instrumento, apresentando cada nota e depois tocar duas partes na mente , 3, 4 etc. ferramentas

Equipamento

Devo dizer imediatamente que não sou um fanático fervoroso pelo conceito de equipamento de gênero. Na minha opinião, a fidelidade da reprodução é um conceito universal e só se pode falar de gênero nos casos em que se trata de nuances bastante sutis.

Do ponto de vista técnico, qualquer sistema de reprodução de som (não levamos em consideração o alto nível tecnocrático "feroz") é um tipo de compromisso que permite obter algumas vantagens sacrificando outras. E o notório “gênero”, na minha opinião, pode ser considerado apenas como um estudo de comprometimento de características técnicas relacionadas à reprodução de certos gêneros, mas não como um conceito técnico completamente “sintonizado” para, por exemplo, obras corais.

Princípios gerais
Alguns audiófilos costumam ouvir histórias sobre a lâmpada, supostamente para o jazz e para a música clássica, embora o nível de distorção de harmônicos e intermodulação seja ainda maior na tecnologia moderna da lâmpada e, consequentemente, o "embaçamento" do som seja garantido. Julgamentos um pouco mais fundamentados são sobre o gênero dos alto-falantes quando dizem que os raros alto-falantes de banda larga em uma caixa fechada são mais adequados para clássicos sinfônicos. Assim, eles tentam se livrar dos filtros que distorcem a fase e também carregam distorções adicionais associadas ao inversor de fase.

Ideal para música clássica será o mais "honesto" em termos de componentes de reprodução. Para ouvidos extremamente experientes e treinados, mesmo a fonte (que em outros casos praticamente não afeta os parâmetros audíveis) pode ser importante, ou seja, clássicos corais e sinfônicos é o caso em que “oi-res importa”. Ficarei em silêncio com tato sobre os fios, os amantes dos Laços de Renda podem expressar sua opinião sobre qual e como os "cabides" aquecidos se saem melhor com os clássicos nos comentários.

Ganho
A amplificação não será decisiva para a qualidade do resultado, mas o fato é que o amplificador deve ser bom. A esmagadora maioria dos especialistas da UMHCH recomenda sistemas operando nas classes A, AB e B. Pessoalmente, evitarei recomendar uma classe específica devido à discussão do problema. Só posso dizer que o principal é a distorção (quanto mais baixos os harmônicos e o IMD, melhor), a velocidade de resposta do amplificador operacional também é importante. Das soluções intransigentes recomendam frequentemente a amplificação isolada de canais estéreo, o chamado mono duplo. Naturalmente, a desvantagem de tais decisões é o custo.

AC
A coisa mais difícil é a escolha dos alto-falantes. Aqui você pode gastar muito dinheiro e não obter o resultado desejado. Se, em nosso tempo, você puder encontrar algo em uma caixa fechada que possa pagar e sem um reflexo de graves, bem como com resposta de frequência aceitável, resposta de fase e distorção, então com alta probabilidade, este sistema fornecerá o nível necessário de fidelidade de reprodução. Procurar deliberadamente opções de banda larga audiófila é uma tarefa difícil e ingrata e é improvável que produza o resultado desejado - porque, se não houver problemas com os filtros, eles surgirão com distorções de frequência e harmônicos.

Uma opção ideal para os clássicos, eu acho, são os alto-falantes eletrostáticos. Se você tiver a oportunidade de comprá-los e planeja ouvir seriamente os clássicos - não puxe muito. Mas, como regra, surge um problema de custo. A propósito, os eletrostatos são mais frequentemente produzidos de forma combinada, o que torna possível amplificar os baixos usando uma seção dinâmica de inversor de fase. Uma alternativa mais barata aos eletrostáticos são as opções isodinâmicas (os chamados planares, dos magnéticos planares), mas para a grande maioria eles também são caros.



Para aqueles que não estão prontos para dar milhões por soluções inflexíveis, mas querem um som "honesto", faz sentido prestar atenção na monitoração acústica. Entre meus favoritos pessoais estão JBL LSR308 , Dynaudio LYD-5, Focal Shape 40 e o ativo Adam Audio T7V . Quero observar que esses dispositivos foram criados para uso profissional, ou seja, não oferecerão nenhum tipo de integração na forma de integração de várias salas, especialmente controle e comutação convenientes, mas, ao mesmo tempo, possuem parâmetros universais e são adequados para ouvir com atenção uma orquestra sinfônica ou um grande coral misto.

Um aspecto importante é a criação de um panorama estéreo realista, ou seja, a localização das fontes sonoras aparentes (KIZ), que para audiófilos é chamada de termo "cena". Sendo regular em concertos ao vivo, você pode facilmente determinar onde um determinado instrumento deve estar na “cena”. Se você não costuma visitar a filarmônica mais próxima, o esquema abaixo o ajudará.



O padrão direcional, os recursos panorâmicos (largura, profundidade, clareza e precisão da localização do KIZ), bem como as distorções de intermodulação - são parâmetros difíceis de identificar com os métodos de hardware e devem ser avaliados subjetivamente. Para distorção de intermodulação, os agudos do coral feminino ou infantil são adequados - a contaminação é ouvida com o ouvido "nu". Outras características subjetivas devem ser verificadas em um showroom bem feito, onde a acústica da sala reduz a influência das primeiras reflexões e ressonâncias dispersas da sala.

Sumário

Usar ou não recomendações para treinamento em percepção e seleção de equipamentos é assunto de todos. Outra coisa importante é que os clássicos devem ser ouvidos, uma vez que a análise e o estudo da música acadêmica fornecem uma base para a compreensão do restante e, no caso de músicos e compositores, um impulso para criar algo novo.

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Tradicionalmente, sugiro participar da pesquisa abaixo.