Ontem,
começamos uma conversa sobre como a percepção da indústria da música e as críticas musicais mudaram nos últimos 200 anos ou mais.
Se, na virada dos séculos 18 e 19, começaram a surgir críticas, e as obras musicais foram avaliadas principalmente pelos próprios compositores, a industrialização do século XX mudou drasticamente a situação nessa área.
Vamos ver o que levou a essas mudanças e, como um papel de liderança na definição da agenda musical, passou das elites culturais para as corporações.
Foto frankie cordoba / UnsplashRevolução Musical Acadêmica
No início do século XX, os rivais apareceram na tradição romântica que moldou a indústria da música no sentido usual. A harmonia começou a "emergir das costas tonais" traçadas pelos primeiros românticos. As organizações que regulam o gosto do público reagiram friamente a isso.
Até esses trabalhos "inofensivos" para os padrões atuais, como Enlightened Night (alemão: Verklärte Nacht) de Schoenberg, foram bloqueados por dicas de arte.
Os compositores, movidos por um desejo pelo absoluto, queriam se libertar dos grilhões da tradição. Assim, a vanguarda nasceu - pela vontade dos compositores, mas não pelos clientes de suas músicas.
Schoenberg, Webern e Berg fundaram seu próprio clube de compositores, que a imprensa chamou de
Segunda (Nova) Escola de Viena , em oposição à antiga ordem. Gradualmente, a vanguarda foi além da estrutura do "movimento de protesto" e conquistou fãs - principalmente entre colegas músicos e intelectuais. Então, ele encontrou um lugar no repertório de muitos artistas do segundo concerto de piano de Prokofiev, cuja estréia o público de Petersburgo vaiava.
Comparado ao romantismo do século XIX, a vanguarda era um gênero mais democrático, em parte devido a uma ruptura com a tradição clássica, em parte devido a mudanças sociais na Europa. Obter uma profissão de compositor, apoiar e desenvolver impulsos criativos em si mesmo ficou mais fácil do que antes - o mesmo Schoenberg cresceu em uma família judia comum e nem sequer se formou na escola. Mas o limiar de entrada para os ouvintes era apenas mais alto, e o trabalho do crítico estava mais em demanda do que nunca. Não é fácil para uma pessoa inexperiente entender música atonal.
Pop e show business
O século 19 foi uma época de ouro para compositores de músicas. Na Europa, o gênero
lieder floresceu, na Rússia, romances. Essa música era distribuída na forma de notas e destinava-se à performance em casa. Mas nem todo mundo sabia tocar piano ou cantar, o que limitava a popularidade desse gênero. A gravação de som e o rádio mudaram a situação. E no início do século XX, ao som das guerras mundiais e das revoluções de vanguarda, as canções capturaram a cultura de massa.
A música acadêmica, pelo contrário, tornou-se cada vez mais nicho, menos acessível a cada ano. A influência cultural das elites que apoiavam a tradição acadêmica também diminuiu gradualmente. Ao mesmo tempo, a música pop estava ganhando um grande público.
E os críticos a levavam cada vez mais a sério.
A chave para essa transformação foi a tecnologia. Um som congelado no tempo é uma coisa ainda mais abstrata do que uma performance viva. O ouvinte pode mergulhar na eternidade da melodia sem nem mesmo saber como ela foi criada. Essa idéia seria muito consoante com os românticos.
Além disso, quando o primeiro disco de longa duração foi lançado em 1948, a última peça que faltava do mosaico apareceu. A música pop ganhou sua forma "séria", semelhante aos
ciclos vocais dos compositores românticos.
Assim que os artistas começaram a experimentar o formato do álbum e a criar obras holísticas com uma reivindicação à alta arte, a música pop que conhecemos agora apareceu. Mas a influência das elites não desapareceu, apenas mudou de forma.
Os novos "guardiões dos padrões musicais" são empresas. O lugar dos patronos das artes - pessoas influentes da alta sociedade - foi ocupado por rótulos, empresas influentes.
Foto frankie cordoba / UnsplashO papel dos editores de música cresceu junto com seu público: eles ganharam o controle da indústria da música. E o papel da crítica se tornou mais comercial.
A principal tarefa deles era informar um amplo círculo de pessoas sobre se esse ou aquele álbum é digno de sua atenção (e dinheiro) ou não. Jornalistas, DJs, diretores musicais se tornaram os principais navegadores do mundo internacional da música. A aparição na transmissão "correta" poderia impulsionar uma carreira de sucesso; as críticas entusiasmadas dos críticos eram o caminho para o reconhecimento.
Mas, como qualquer hierarquia semelhante, esse sistema teve suas desvantagens.
As vozes das minorias , ou aqueles que discordam do status quo de uma ou outra "estrela", foram sistematicamente silenciados. As pessoas foram oferecidas a ouvir não o que elas querem, mas o que os outros consideram digno de sua atenção.
Por outro lado, o desenvolvimento do instituto de críticas ajudou a não transformar a indústria da música em uma competição de popularidade. Graças ao trabalho dos críticos, a atenção do público também foi direcionada para coisas cujo valor artístico excede seu sucesso comercial.
Nenhum álbum de Frank Zappa recebeu status de platina. No entanto, ele deixou uma marca cultural importante - principalmente porque não passou despercebido entre os observadores de música.
Mas nada dura para sempre. Quase nada restava do antigo status de crítico - a Internet fornecia acesso à música sem intermediários. Falaremos sobre o que isso levou e quais processos governam a opinião pública sobre a música hoje no próximo artigo.
Foto de Mohammad Metri / UnsplashNossas habraseries: