Em artigos anteriores, falamos sobre a
mudança do papel da crítica no mundo da música. Agora vamos falar sobre como o formato de paisagem perdeu seu significado anterior - e o que veio substituí-lo.
Foto Florencia Viadana / UnsplashComo os álbuns conquistaram o mercado da música
Na primeira metade do século 20, a indústria da música era completamente diferente daquela com a qual agora estamos familiarizados. Parte das mudanças estava associada às tecnologias populares - o principal formato de música da época eram os discos shellac, que eram tocados a uma velocidade de 78 rotações por minuto. Um disco padrão de 10 polegadas continha apenas
três minutos de música de cada lado - isso limitava seriamente a duração do material. Até a música orquestral foi deliberadamente cortada para caber em um disco. As primeiras gravações de
Rhapsodies no estilo blues de Gershwin duraram cerca de 9 minutos, quase a metade da versão original da obra. Não surpreendentemente, os singles foram responsáveis pela grande maioria dos lançamentos.
Álbuns existiam - mas havia poucos. Eles foram distribuídos em conjuntos de caixas contendo vários registros. Mesmo assim, eles tinham algumas das características que atribuímos aos álbuns modernos - por exemplo, incluíam
músicas de um tema semelhante . Mas eles não podiam ser chamados de peças únicas de música - eram mais como compilações. Isso pode ser atribuído à “difícil divisão do trabalho”, que era popular na época, entre autores de música e artistas.
Os álbuns geralmente consistiam em músicas de diferentes compositores, escritas em momentos diferentes e já publicadas por outras pessoas. Não havia nada de vergonhoso em lançar um "álbum de capa".
No início dos anos 50, a revolução do vinil começou. Registros de um novo tipo, contendo até 45 minutos de material musical, rapidamente se tornaram populares. Então os gêneros do autor entraram no mainstream - blues e música folclórica. Uma pessoa que escreve e toca sua música tem uma grande parcela de controle criativo sobre seus registros. Isso permitiu que os álbuns passassem de coleções de músicas díspares para obras musicais únicas.
Foto Fleur / UnsplashA transformação é fácil de seguir pelo exemplo dos Beatles - um dos grupos mais influentes de todos os tempos. Seus dois primeiros álbuns foram quase metade compostos por músicas de outras pessoas. Posteriormente, eles praticamente se livraram das capas e, ao mesmo tempo, seu trabalho se tornou mais holístico e conceitual. O ponto culminante dessa tendência foi o famoso “sargento. Lonely Hearts 'Club Band de Pepper ”, com transições contínuas entre músicas e composições que lembram suítes.
Nos anos 70, os "álbuns de compilação" começaram a ser menos valorizados do que os trabalhos conceituais. Os álbuns em sua estrutura mais frequentemente se assemelhavam às composições sinfônicas clássicas - especialmente no gênero prog rock, formado na junção do rock com a música acadêmica.
Por exemplo, o álbum "Thick As A Brick" de Jethro Tull consiste em uma única música, dividida em duas partes. Álbum duplo “Works Vol. 1 »de Emerson, Lake And Palmer abre com um concerto de piano realizado por um tecladista e pela London Symphony Orchestra. A tendência de incorporar técnicas sinfônicas no material não se limitou ao prog. Muitos álbuns populares dos anos 70 também se enquadram nessa tendência - por exemplo, a famosa "A Night At The Opera" do Queen ou a ópera de rock
Ziggy Stardust, de David Bowie.
No final dos anos 70, o processo de academização do rock começou a declinar, mas a expectativa de que o álbum fosse mais do que a soma de seus componentes permaneceu. Muitos álbuns pop dos anos 80 continuaram a desenvolver essa direção. Entre eles estão o Sign O 'The Times de Prince e Peter Gabriel's So.
Álbuns da era do pôr do sol
No entanto, já nos anos 80, começaram os processos que levaram a uma queda na popularidade dos álbuns.
O primeiro deles foi o
crescente foco na comercialização da música , impulsionado pela televisão musical e sua crescente popularidade entre os jovens. Já
escrevemos sobre como a MTV se tornou o primeiro canal juvenil da TV a cabo americana. E não foi por acaso - no início da década, surgiram
estudos que descreviam a influência dos adolescentes na economia de mercado. Os executivos do canal viram um nicho desocupado - e potencialmente muito lucrativo - que se tornou ainda mais atraente à medida que as restrições legislativas relacionadas à publicidade para crianças
diminuíam . O valor artístico da música desapareceu em segundo plano em comparação com seu componente divertido.
Como resultado, nasceu o gênero que chamamos de pop adolescente. Ele se concentrou nos solteiros porque eles são mais baratos que os álbuns, acompanhados de videoclipes e não requerem atenção de longo prazo das crianças. A influência de artistas pop adolescentes foi usada para vender bebidas,
brinquedos e até
eletrodomésticos para adolescentes. A música artística que aborda tópicos complexos (especialmente no formato de álbum) não pode competir com os hits pop como um mecanismo de publicidade.
No final dos anos 80,
outros gêneros pareciam pouco compatíveis com a tradição da música clássica - eletrônica de dança e hip-hop. As figuras centrais da eletrônica de dança eram os DJs que colocavam discos na pista de dança. Para facilitar a vida de um DJ, deve haver "buffers" nas composições eletrônicas - uma longa introdução e um longo final. Isso facilita encontrar o momento perfeito para alternar entre as faixas. As composições tradicionais de álbuns são de natureza lacônica e não oferecem essa oportunidade. Portanto, o principal formato da eletrônica de dança se tornou um
single de 12 polegadas .
Quanto ao hip-hop, nesse gênero o formato mixtape começou a ganhar popularidade - uma compilação caseira de composições de vários produtores, unidas pela poesia do artista. Dezenas de pessoas podem trabalhar em um álbum de hip-hop, sem contar os detentores dos direitos autorais das amostras. Isso complica a criação de um trabalho holístico. Os álbuns conceituais não ultrapassaram o hip-hop, mas não se tornaram formadores de gênero.
O golpe final no formato do álbum foi causado pela
morte da mídia física . Também escrevemos sobre ela em
um dos materiais anteriores . Em um mundo em que o streaming é a principal forma de consumo de música e o conteúdo de entretenimento compete diretamente com a música, é difícil manter a atenção por um longo tempo. Plataformas de streaming - um buffet da indústria da música. Em tais condições, os ouvintes tendem a tentar um pouco e não se concentrar em um prato.
Retorno de singles
Como os artistas se adaptam ao novo clima? À medida que os ciclos de notícias ficam
mais curtos e a atenção do público se torna mais difícil, a frequência do conteúdo tem precedência sobre sua qualidade. A tarefa dos artistas é
permanecer nos cabeçalhos e nas listas de reprodução dos usuários, em vez de tornar seu álbum sua lista de reprodução. Se um artista passou seis meses gravando um disco e levou o público apenas uma semana, então isso é desperdício de dinheiro.
Além disso, os álbuns estão ficando cada vez mais curtos . Estudos mostram que, mesmo nos discos mais tocados, a maioria das audições cai em 3-4 músicas.
Portanto, os
artistas se concentram em solteiros . As pessoas têm mais probabilidade de ouvi-las até o final - sem mencionar o fato de que, ao lançar uma música por unidade de tempo, é possível criar leads de informações com mais frequência. Esta opinião é compartilhada pelo
produtor Savan Kotecha, conhecido por trabalhar com One Direction e The Weeknd. Se tais nomes conhecidos estão preocupados em criar um fluxo constante de singles, então para artistas de médio calibre é ainda mais necessário que a maioria de suas músicas seja ouvida antes do lançamento do álbum.
A cantora japonesa Siina Ringo lançou recentemente seu primeiro álbum em quatro anos. 8 de 13 músicas foram lançadas como singles. Mais duas músicas ficaram disponíveis após a abertura das pré-encomendas. Como resultado, no lançamento do álbum, havia apenas três novas faixas nele.
Devido ao foco em singles,
mais remixes e duetos estão sendo lançados. Trabalhar com outros artistas - seja adaptando uma música à pista de dança ou aparecendo na faixa de outra pessoa, ajuda a promover sua marca e permanecer no foco do público em geral. Isso é parcialmente influenciado pela crescente popularidade do hip-hop, um gênero que incentiva a colaboração.
Foto Søren Astrup Jørgensen / UnsplashAlguns artistas, inspirados em Hollywood e na explosão de franquias cinematográficas, lançam
sequências de obras antigas e uma série de álbuns . Isso os ajuda a explorar repetidamente a mesma "história" bem-sucedida. Em 2013, Eminem lançou uma
sequência da já clássica gravação de "The Marshall Mathers LP". Todos os álbuns do lendário grupo emo de
futebol americano têm o mesmo nome e diferem em números (como os primeiros trabalhos do Led Zeppelin). Os grupos de 1975 e Foals criam uma
série de álbuns , na esperança de que um investimento emocional na primeira parte lhes permita "salvar" o público.
O gênero do álbum não está morto. Mas a realidade dos negócios força os artistas a repensar sua abordagem ao trabalho. Esse estado de coisas tem aspectos positivos (mais projetos musicais conjuntos, menos preenchimentos, faixas para preencher o álbum) e negativos (álbuns remanescentes de compilação). É verdade que é muito cedo para tirar conclusões finais. No final, ninguém sabe que tecnologia mudará a indústria da música nos próximos cinco anos.
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