在过去的文章中，我们谈到
了评论家在音乐界的
角色变化 。 现在，让我们谈谈横向格式如何失去其先前的意义-以及如何替代它。
弗洛伦西亚·维亚达纳（ Florencia Viadana） / Unsplash专辑如何征服音乐市场
在20世纪上半叶，音乐行业与我们现在所熟悉的行业完全不同。 这些变化的一部分与当时流行的技术有关-当时的主要音乐格式是虫胶唱片，以每分钟78转的速度播放。 一张标准的10英寸唱片每侧仅包含
三分钟的音乐 -这严重限制了材料的长度。 甚至管弦乐也被故意剪裁以适合唱片。 格什温的
《布鲁斯风格狂想曲 》的第一张录音持续了大约9分钟，几乎是作品原始版本的一半。 毫不奇怪，单曲占据了发行的绝大部分。
存在专辑-但数量很少。 它们被分布在包含多个记录的盒子集中。 即使到那时，它们仍具有我们归功于现代专辑的一些特征-例如，包括
类似主题的歌曲 。 但是它们不能被称为单曲-它们更像是汇编。 这可以归因于音乐创作者和表演者之间当时很流行的“艰难的分工”。
专辑通常由不同作曲家的歌曲组成，在不同的时间创作并已经被其他人发行。 发行“封面专辑”并没有什么可耻的。
在50年代初期，乙烯基革命开始了。 包含长达45分钟音乐作品的新型唱片很快就很流行。 然后，作者的流派进入了主流-布鲁斯和民间音乐。 创作和演奏音乐的人对其唱片拥有很大的创作控制权。 这样一来，专辑就可以从各种各样的歌曲转变成单曲作品。
照片芙蓉 /不飞溅甲壳虫乐队（The Beatles）是有史以来最有影响力的团体之一，因此很容易跟随这种转变。 他们的前两张专辑几乎都是其他人的歌曲的一半。 随后，他们几乎摆脱了掩盖，同时，他们的工作变得更加全面和更具概念性。 这种趋势的顶点是著名的“军士”。 Pepper的《 Lonely Hearts'Club Band》，歌曲和乐曲之间的无缝过渡让人联想到套房。
到70年代，“合集专辑”的价值开始不如更具概念的作品受到重视。 专辑本身的结构通常更类似于古典交响乐作品，尤其是在摇滚与学术音乐交汇处形成的前卫摇滚风格中。
例如，杰瑟罗·塔尔（Jethro Tull）的专辑“ Thick As A Brick”由一首单曲组成，分为两部分。 双专辑“ Works Vol。 1»艾默生（Emerson）的《湖与帕尔默（Lake And Palmer）》开幕式上，由键盘演奏者和伦敦交响乐团演奏钢琴音乐会。 将交响技术结合到材料中的趋势不仅限于前爪。 70年代的许多流行专辑也属于这一趋势，例如，女王著名的“歌剧之夜”或David Bowie的
Ziggy Stardust摇滚歌剧。
到20世纪70年代末，摇滚音乐的学术化进程开始下降，但人们仍然期望专辑不仅仅限于专辑的总和。 许多80年代的流行专辑继续朝着这个方向发展。 其中有王子亲笔签名的《时代》和彼得·加布里埃尔的《苏·》。
日落时代专辑
但是，已经在80年代开始了一些流程，导致专辑的流行度下降。
首先，
在音乐电视及其在年轻人中日益普及的推动下，人们
越来越关注音乐的商业化 。 我们已经
写过关于MTV如何成为美国有线电视上的第一个青年频道的文章。 这绝非偶然-十年初，出现了描述青少年对市场经济的影响的
研究 。 渠道主管们看到了一个空缺且可能非常有利可图的利基市场，随着与儿童广告有关的立法限制的
放松 ，该利基市场变得更加有吸引力。 与音乐的娱乐性相比，音乐的艺术价值已经淡出背景。
结果，我们称为青少年流行音乐的流派诞生了。 他专注于单曲，因为它们比专辑便宜，并附带视频片段，不需要孩子的长期关注。 青少年流行歌手的影响力被用来出售青少年的饮料，
玩具，甚至
家用电器 。 涉及复杂主题（尤其是专辑格式）的艺术音乐不能与流行歌曲作为广告引擎竞争。
到80年代末，
出现了与古典歌曲传统不兼容的
其他流派 -舞蹈电子产品和嘻哈音乐。 舞蹈电子产品的主要人物是DJ，他们在舞池里放唱片。 为了使DJ的生活更轻松，电子作品中必须有“缓冲”-漫长的介绍和漫长的结局。 这样可以更轻松地找到在音轨之间切换的最佳时间。 传统的专辑创作本质上是简洁的，不会给这个机会。 因此，舞蹈电子产品的主要格式已成为
12英寸单曲 。
至于嘻哈音乐，在这种流派中， 混音带格式开始流行-由不同制片人组成的家庭合辑，由艺术家的诗歌统一而成。 几十个人可以制作一张嘻哈专辑，还不包括样本的版权所有者。 这使整体作品的创作复杂化。 概念专辑并未绕过嘻哈音乐，但并未成为流派。
专辑格式的最终打击
是物理媒体的
死亡 。 我们还在
以前的材料之一中写了关于她的文章。 在流媒体是音乐消费的主要形式并且娱乐内容直接与音乐竞争的世界中，很难长时间保持注意力。 流媒体平台-音乐界的自助餐。 在这种情况下，听众往往会尝试一点点，而不是只专注于一道菜。
单身回归
表演者如何适应新的气候？ 随着新闻周期越来越
短 ，公众的关注度越来越高，内容的频率优先于其质量。 表演者的任务是
停留在标题和用户播放列表中，而不是将其专辑作为播放列表。 如果一个表演者花了六个月的时间来录制唱片，而公众只花了一周的时间，那么这就是金钱上的浪费。
而且，这样的专辑只会越来越短 。 研究表明 ，即使在最热门唱片上，大多数试听都属于3-4首歌曲。
因此，
表演者专注于单打 。 人们更有可能听到他们的声音，更不用说一个事实，即每单位时间发布一首歌曲，就有可能更频繁地创建信息线索。
制片人 Savan Kotecha也分享了这一观点，后者以与One Direction和The Weeknd合作而闻名。 如果这些著名的名字被用来制作不断的单曲，那么对于中等水平的表演者来说，在发行专辑之前就必须要听大部分歌曲。
日本歌手Siina Ringo最近发行了四年来的第一张专辑。 13首歌曲中有8首以单曲形式发行。 预订开始后，又有两首歌曲可用。 结果，在专辑发行时，专辑上只有三首新歌。
由于专注于单打，因此将出现
更多的 混音和二重唱 。 与其他表演者的合作-无论是将歌曲改编到舞池还是出现在其他人的轨道上，都有助于提升您的品牌并成为公众关注的焦点。 这部分受到嘻哈音乐日益普及的影响，嘻哈音乐是一种鼓励合作的类型。
SørenAstrupJørgensen的照片/ Unsplash受好莱坞和电影特许经营权的鼓舞，一些表演者
为旧作品和一系列专辑发行了
续集 。 这有助于他们反复利用相同的成功“故事”。 2013年，阿姆发行了已经很经典的唱片《马歇尔·马瑟斯LP》的
续集 。 传奇的
美式足球 emo组的所有专辑都具有相同的名称和编号（例如Led Zeppelin的早期作品）。 1975年和Foals乐队制作了
一系列专辑 ，希望第一部分的情感投入可以使他们“拯救”观众。
专辑的类型还没有结束。 但是商业现实迫使表演者重新考虑他们的工作方法。 这种状况既有积极的方面（更多的联合音乐项目，更少的填充，填补专辑的曲目）又有消极的方面（让人联想到专辑的专辑）。 的确，现在下结论还为时过早。 最后，没人知道未来五年内将有什么技术改变音乐产业。
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